Musique de film – La musique à l’image

Que seraient Midnight Express ou les Dents de la Mer sans bande sonore ? De même, impossible d’oublier la partition du film Les Demoiselles de Rochefort écrite par Michel Legrand.

La musique de film est un élément majeur pour la création cinématographique. Elle donne aux images une atmosphère particulière, transmet des émotions et apporte davantage de sens aux scènes.

Le métier de compositeur de musiques de film est avant tout un travail d’équipe. Il faut mettre son talent au service du réalisateur, des acteurs, du scénariste et de l’ingénieur du son. Un compositeur de musique pour le cinéma doit également être créatif et savoir discuter avec toutes les personnes présentes sur un tournage.

En plus de cette coopération nécessaire, le compositeur de musique doit être capable de travailler seul en studio. La quiétude lui permet de réunir son énergie créatrice et finalement d’écrire les partitions d’une œuvre.

Les études et formations pour devenir compositeur de musique de films

Plusieurs études et cursus de formations existent pour apprendre à composer pour le septième art. Conservatoire de musique, formation de composition par l’image, cours de musique à l’image, licence universitaire TAIS. En outre, tous ces parcours de formation sont complémentaires.

Comment trouver son premier contrat ?

Avant de décrocher votre premier contrat de compositeur de musique de film, vous allez devoir regarder plein de films, savoir ce que vous aimez et ce que appréciez moins. Il est également indispensable de se confronter à l’exercice de poser de la musique sur des images.

Dans ce métier, il faut être énergique et avoir l’audace de frapper aux bonnes portes. Le relationnel joue aussi un rôle important.

Le salaire du compositeur de musique de film

Le compositeur de musique de film perçoit une prime de commande. Le succès du film et les diffusions télévisées sont des données capitales dans le calcul de la rétribution. Difficile de dire combien gagne un compositeur de musiques de films car il n’y a pas de salaire moyen. Par exemple pour un long métrage, la prime peut être fixée à 30000 euros. Si le film enregistre 2 millions d’entrées, le compositeur peut toucher 30000 euros en plus. Il percevra aussi de l’argent pour les droits Sacem.

De la passion et du travail

Réaliser des partitions pour les films est avant tout une histoire d’envie et de passion. Il faut être un véritable amoureux du cinéma et suivre son actualité. Le métier de compositeur de musique de film n’a plus rien avoir avec ce qui se faisait il y a encore 20 ans seulement. Aujourd’hui, les bandes sons sont crées très souvent par musique assistée par ordinateur (MAO) et le compositeur doit être plus autonome dans son travail.

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Pour des raisons de finance, on hésite parfois à confier ses morceaux à un studio de mastering professionnel, alors pourquoi ne pas tenter son propre mastering maison, pour le plaisir, le défi ou par curiosité de geek ? Il existe en effet de nombreuses solutions logicielles, certaines gratuites, d’autres payantes.

N’hésitez surtout pas à profiter de leur période d’essai pour sentir si le mastering est votre point fort !

Mais découvrez maintenant les 6 conseils à suivre pour votre mastering. Ils s’appliquent tout autant dans le cas où vous voudriez prendre vos mix en main que dans celui où vous décideriez de confier vos tracks à un ingénieur du son.

Exportation avec soin

Exportez votre session de mix vers un fichier stéréo au format non-destructif .wav / .aiff… exporter en MP3 reviendrait à masteriser une image en 256 couleurs… Faites un rendu avec des résolutions de 44,1 kHz /, 24 bits ou 32 bits float au minimum. Vous n’êtes pas sans savoir que lorsque vous utilisez une résolution élevée, les informations contenues dans le fichier audio sont plus précises.

L’environnement de travail en mastering

Dans votre DAW préférée, créez un projet dédié constitué de quelques pistes. La première piste sera l’import de votre mix stéréo (nommez-la « Original »). La seconde sera le même import avec les effets de traitement. La troisième (optionnelle mais souvent indispensable) sera le rendu en temps réel de l’audio traité.

Corrélation entre bits et échantillon

Assurez-vous que la session de mastering que vous concevez est sur les mêmes valeurs de taux d’échantillonnage et profondeur de bits que votre morceau à traiter. Vous pourriez altérer, voire endommager totalement votre chaîne d’effets par la suite. Pour cela, allez dans les préférences audio de votre projet et de votre interface audio, puis sélectionnez des taux identiques.

Un bon égaliseur pour le mastering

Le premier élément de votre chaîne doit être un bon égaliseur. Le défaut courant est de l’utiliser à outrance avec des tonnes de coupures « Bell filtrant » de partout. Il est préférable de juste créer quelques points (cinq par exemple) avec des courbes de maximum -3 dB qui vont être ancrées sur les résonances altérant l’écoute du morceau.

Mastering et compression

Réduire les plages dynamiques permet de calmer les « peaks » de forme d’onde et d’ajouter du coffre à l’ensemble du morceau. La compression en mastering doit rester légère avec des ratios autour de -2:1 et une réduction de gain faible de type -3 dB.

Mastering : Réviser sa copie

Comme vous êtes à la fois le mixeur et celui qui va masteriser la piste, il est préférable de revoir son mixage si trop de problèmes persistent ou si votre track est à des années-lumière de vos morceaux référence (en termes de spectre audio, mais pas de volume). Il est préférable de retourner à la source, c’est-à-dire le mixage, pour régler les problèmes plutôt que d’attendre que le mastering règle tout par magie.

Les meilleurs conseils vous attendent également sur notre formation mastering en ligne ! Eh, oui, tout n’est pas indiqué sur les contenus gratuits !

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Lorsqu’on écrit des musiques à la guitare, avoir un riff ou une progression d’accords qui tuent n’est que la moitié du chemin à parcourir. Et si l’enregistrement du son de l’instrument peut être assez simple, il peut parfois manquer une dimension spatiale à votre son. Une caractéristique que l’on retrouve d’ailleurs souvent sur les enregistrements pro. Alors réfléchissez bien à votre son avant de commencer à enregistrer en studio.

Notre formation home studio en ligne vous apprend tous les secrets pour bien régler votre guitare avant d’enregistrer en studio. Prenez contact avec nos formateurs pour en savoir plus.

Il y a plusieurs façons de rendre vos enregistrements de guitare électrique ou acoustique plus épais, plus larges et finalement meilleurs, ainsi que tout un monde d’effets et de réglages d’ampli qui vous permettent de composer le son le plus approprié et le plus percutant pour vos chansons. Alors, prenez votre guitare acoustique ou électrique et passez un peu de temps à expérimenter. Tout d’abord, regardons quelques effets de guitare essentiels…

Effet guitare : Overdrive

L’overdrive est un effet qui déforme un signal de guitare tout en douceur et tente de recréer l’effet d’un amplificateur à tubes.

Il peut créer des sons rythmiques chauds et légèrement croustillants. On pense par exemple à AC/DC.

CONSEIL D’UTILISATION : Pour un son overdrive lourd, réglez le contrôle de « gain » ou « drive » à un niveau élevé et le « lever » ou « output » à un niveau plus bas. Pour un effet de boost plus net, faites l’inverse.

Effet guitare : Distorsion

Les premières boîtes de distorsion ont été les fuzz des années 1960. C’était des boîtiers très simples mais diablement efficaces. Depuis, la distorsion a évolué vers des sonorités plus modernes avec aussi le développement de circuits plus raffinés. La distorsion est à la base de tout, des Rolling Stones à Jimi Hendrix à Nirvana, en passant par le plus lourd du métal moderne !

CONSEIL D’UTILISATION : Essayez d’utiliser le contrôle de volume de votre guitare pour régler la quantité de distorsion et le volume. Efficace pour passer des sons rythmiques aux sons solos.

Effet guitare : Réverbération

La réverbération simule les réflexions des sons lorsqu’ils rebondissent sur des surfaces et s’affaiblissent puis se répètent une ou plusieurs fois avec un intervalle de temps prédéterminé. La reverb est utilisée dans tous les styles de musique, du rock’n’roll ancien au rap et à la pop moderne.

CONSEIL D’UTILISATION : Configurez deux amplis et expérimentez les réglages stéréo sur des les différents appareils. Un plaisir sans limite vous attend !

Effet guitare : Vibrato

Le vibrato a été introduit dans les premiers amplis guitare de Magnatone, Gibson, Fender et Vox. Ce n’est pas la même chose que le trémolo. Le vibrato est une modulation de la hauteur, le trémolo est une modulation du volume. La confusion peut s’expliquer par une erreur d’étiquetage historique : Le Tremolo Synchronisé de Fender monté sur la Stratocaster, par exemple, est en fait un vibrato. Les utilisateurs célèbres de cet effet guitare sont nombreux Graham Coxon de Blur jusqu’aux légendaires bluesmen Robert Cray.

CONSEIL D’UTILISATION: Le vibrato lent peut produire des sons éthérés lorsqu’il est utilisé sur des notes d’arpège soutenues ou sur des accords qui sonnent. Les vitesses plus rapides ont un effet de tremblement vraiment sensible.

Il existe beaucoup d’autres boîtiers pour produire des effets guitare (phaser, flanger, compression, chorus, delay, pitch shifter, etc..).

Notre formation home studio et MAO sur internet vous dit tout ce qu’il faut savoir.

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Avant tout, il est bon de savoir que tous les logiciels DAW ont leurs forces et leurs faiblesses. Et également leur propre fonctionnement. Concrètement, il n’y a pas de meilleur logiciel DAW disponible sur le marché et d’ailleurs aucun d’entre eux n’est en mesure de transformer comme par enchantement une piste médiocre en une bonne. Vous devez comprendre qu’il s’agit simplement d’outils qui sont là pour exécuter votre travail. Autrement dit, c’est aussi à vous d’en faire bon usage.

Qu’appelle-t-on un logiciel DAW ?

DAW est l’acronyme pour digital audio work station. Il s’agit d’un système informatisé pour l’édition, l’enregistrement, le mixage et la lecture de piste audio.

Ce type de logiciel MAO va vous servir à enregistrer tout ce que vous voulez. Il est équipé d’un enregistreur multi pistes capable d’enregistrer tous les flux sonore via votre interface audio. À noter que le nombre de pistes que vous allez pouvoir enregistrer en simultané dépend naturellement toujours du nombre de canaux dont dispose votre interface. Certains logiciels disposent également d’instruments virtuels que vous pouvez utiliser pour créer un support supplémentaire. Ces derniers peuvent aussi avoir chacun leur propre piste.

Quelques logiciels DAW à connaitre en 2020

1. Garageband

Le petit frère d’Apple Logic, Garageband est simple à prendre en main et sa puissance va vous étonner. D’ailleurs, ce n’est pas pour rien que de nombreux groupes de musiques le choisissent pour enregistrer. Il ne propose pas toutes les fonctionnalités d’Apple Logic, mais c’est un logiciel de choix quand on est débutant MAO. Le principal point fort de ce logiciel DAW ? Il est gratuit avec votre ordinateur MAC, ce qui va par exemple vous permettre à la place d’investir votre argent dans du  matériel.

2. Apple Logic Pro X

Si vous possédez un ordinateur Mac et que vous avez l’impression que Garageband commence à être limite, la prochaine chose à faire est naturellement d’acheter Apple Logic Pro. Les fonctionnalités de ce logiciel sont complètes et la liste impressionnante d’instruments et d’effets intégrés en font une véritable référence.

3. Steinberg Cubase

Si vous êtes un habitué de la création de musique assistée par ordinateur, vous vous souvenez alors à coup sûr du logiciel Cubase crée en 1989, année où il a fait ses débuts sur Atari ST. 31 ans plus tard, il est toujours aussi complet et offre une foule de fonctionnalités à la pointe de la technologie. Mais revers de la médaille, il est très cher, même s’il existe plusieurs versions pour satisfaire vos attentes et respecter votre budget.

4. Presonus Studio One 4

Presonus Studio One 4 est relativement nouveau et reste un outil étonnamment puissant. Ce logiciel DAW est proposé en deux versions. La première pour les auteurs-compositeurs interprètes et une autre pour les professionnels. Il est aussi un peu plus facile à utiliser que les logiciels Cubase ou Logic.

Les effets intégrés à Presonus Studio One 4 sont de la meilleure qualité. Nous vous conseillons de jeter un œil à ce logiciel si vous n’envisagez pas par exemple d’acheter une autre référence mondiale du genre.

5. Avid Pro Tools

Avid Pro Tools est toujours considéré comme un standard de l’industrie MAO. Très critiqué depuis ces dernières années, le logiciel est aujourd’hui devenu plus ouvert.  Il n’y a plus besoin par exempleLesacheter du matériel spécial pour utiliser la version Premium. Aussi, plus de formats sont maintenant pris en charge par Avid Pro Tools.

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REVERB

QU’EST-CE QUE ÇA FAIT ? La réverbération est un effet omniprésent, vous l’entendez autour de vous tous les jours. Vous ne pouvez pas ne pas avoir remarqué, par exemple, que votre voix est différente dans une cage d’escalier que dans une salle de bain carrelée. C’est parce que le son rebondit sur les surfaces lisses et se déplace dans chaque espace d’une manière spécifique. En fait, la réverbération donne une impression d’espace ou de distance à un son. Une réverbération bien placée peut être le lien qui équilibre un enregistrement.

COMPRESSION

QU’EST-CE QUE ÇA FAIT ? Un compresseur est un processeur de dynamique. Il aide à maintenir un volume constant même lorsque le signal entrant fluctue de façon importante. En tant, qu’outil, la compression réduira les pics importants de votre performance et vous laissera avec une dynamique régulière. C’est idéal pour lisser une partie acoustique à un spectre irrégulier. Une compression douce aidera également deux parties à s’assembler plus naturellement par exemple.

ENREGISTREMENT

Des outils pratiques vous permettent ensuite de modeler le ton de vos pistes d’enregistrement.
Vous pouvez appliquer l’égalisation pour « faire de la place » dans votre mixage ou pour corriger les fréquences manquantes dans les enregistrements. Votre voix et votre guitare sont en concurrence ? Si c’est le cas, essayez de couper les médiums supérieurs de la guitare pour faire de la place à la voix.

EFFETS DE MODULATION

QU’EST-CE QU’ILS FONT ? Les effets de chorus, de flanger et de phaser sont tous considérés comme des effets de modulation. Le flanger sonne comme si le spectre des fréquences était balayé de haut en bas. Les effets de chorus simulent plusieurs copies du signal d’entrée, bien que chacune ait une hauteur et un temps légèrement différent. Par exemple, Come As You Are du groupe Nirvana regorge de guitares chorus. Les phasers ont un son similaire à celui des flangers, mais il y a un son « cranté » très prononcé qui leur donne un son perçant et métallique très caractéristique.
La compression vous laissera avec une dynamique uniforme. Elle vous aidera à assembler deux parties plus naturellement. Mais vous pouvez aussi l’utiliser pour ajouter d’avantage d’accroche à vos notes.

D’autres effets comme la distorsion, le delay, l’EQ peuvent également être utiles. Cela fera notamment l’objet d’un prochain article… Affaire à suivre…
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La musique de jeu vidéo à ses propres qualités et des règles de composition bien spécifiques. Sa composition est souvent comparée à la composition de musique pour les films et le cinéma. Dans les deux cas, il s’agit d’accompagner l’image avec une musique qui se base sur une histoire. Il n’est d’ailleurs pas étonnant que beaucoup de compositeurs de musique de film proposent leurs compétences pour le jeu vidéo.

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La notion d’interactivité

Il existe une différence importante lorsque l’on écrit une musique pour un film ou pour un jeu vidéo. Pour ce dernier, le compositeur doit obligatoirement prendre en compte la notion d’interactivité. Autrement dit, la partition est écrite en prenant en compte les actions du gamer. Ce qui permet par ailleurs de développer l’effet d’immersion.

En effet, le format d’un film à peu de choses à voir avec celui d’un jeu vidéo. Un film raconte une histoire qui se déroule de manière linéaire. Alors que l’autre, l’histoire peut prendre beaucoup de chemins.

La bande-son évolue avec les progrès du joueur, sert à illustrer un décor, permet d’annoncer l’arrivée d’un combat décisif ou encore signifier une récompense.

La composition de musique pour le jeu vidéo

Un compositeur de musique de jeu vidéo doit se demander comment faire pour communiquer avec le joueur en temps réel. Comment anticiper que le joueur va faire cette action ou passer par là ? Il doit donc prévoir une pléthore d’actions et écrire une musique illustrant les différentes strates et niveaux de l’histoire.

Il a recours à des segments musicaux pouvant être inter-changés à chaque instant. L’objectif est d’avoir une musique réactive et flexible aux déplacements et aux décisions du joueur.

Composition de musique jeu vidéo avec des layers

Le fonctionnement des couches verticales, également appelées layers est assez simple à comprendre. Une couche primaire pour l’ambiance permet d’installer un fond sonore. Elle représente généralement la musique de base d’un jeu vidéo. Ensuite, le compositeur ajoute une deuxième strate sonore pour par exemple annoncer l’arrivée d’un événement. Enfin, par exemple, un troisième layer va permettre d’indiquer aux joueurs une phase décisive du jeu. Les trois couches verticales surgissent et disparaissent en fonction des actions et du déroulement du jeu. A noter également que cette technique n’est pas la seule pour créer une musique de jeu vidéo.

Une composition déstructurée dans la forme

Dans la musique de jeu vidéo, il existe une hiérarchie sonore. On n’y retrouve une arborescence avec une multitude de pièces dans lesquelles on peut lire : ici se trouve la bande sonore pour une intensité légère, ici pour une intensité modérée, etc.…. La partition est donc composée de plusieurs sonorités possibles qui se déclenchent de manière plus ou moins aléatoire en fonction des décisions des joueurs.

Si vous souhaitez suivre une formation pour apprendre à composer de la musique, vous pouvez vous inscrire à nos cours en ligne. Nous vous proposons d’apprendre toutes les bases de production pour devenir un compositeur de musique professionnel.

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Le microphone représente le premier élément pour votre chaîne de production MAO. De fait, il assure un rôle fondamental en permettant la modification d’une sonorité acoustique en signal électrique. Son positionnement et son choix sont des critères importants en ce qui concerne la qualité de l’enregistrement et celle de votre home studio MAO en général.

Les utilisateurs, comme pour les logiciels MAO, font trop souvent preuve de fétichisme en ce qui concerne les références et les marques alors que pour un usage optimisé, il est toujours mieux d’opter pour un microphone de moyenne gamme bien utilisé qu’un microphone de qualité professionnelle mal positionné. Aussi, certains modèles seront meilleurs pour réaliser des prises de son spécifiques pour un instrument ou pour une voix par exemple.

Votre formateur de musique assistée par ordinateur est à vos côtés pour vous conseiller sur le choix de votre microphone.

Qu’est-ce qu’un microphone dynamique ?

Un microphone dynamique peut être comparé à une sorte de haut-parleur inversé. De manière caricaturale, on pourrait dire que le haut-parleur génère une énergie sonore grâce à la réception d’une énergie électrique. L’appareil a besoin de recevoir une énergie sonore qu’il va transformer par induction magnétique en signal électrique.

Il est robuste, facile à produire et son prix d’achat est économique. Il peut capter sans difficulté les sources sonores de haut niveau comme un ampli de basse, la voie d’un chanteur ou encore la batterie.

Qu’est-ce qu’un micro à ruban ?

Le microphone dit à ruban se base également sur le mécanisme de fonctionnement « électro-dynamique ». Fabriqué seulement par quelques entreprises, il redevient tendance parmi les musiciens et les producteurs de musique MAO.

Au-delà de ses caractéristiques techniques, le microphone à ruban va produire un son naturel très apprécié dans la création musicale en studio. Il est capable d’allier douceur et grain sans  le côté artificiel que l’on peut retrouver parfois pour les microphones statiques.

Ce type de microphone est à privilégier pour les cuivres, les voix et l’enregistrement des guitares acoustiques.

Qu’est-ce qu’un microphone statique avec transistor ?

Facilement reconnaissable, un microphone électro-statique est composé d’une fine membrane derrière laquelle est fixée une plaque appelée «backplate ». Sa plage de résonance se situe dans les extrêmes aigus.

Qu’est-ce qu’un micro statique à lampes ?

Autrefois utilisé dans les studios professionnels, on peut maintenant en trouver à des prix raisonnables pour un home studio MAO sérieux. Mis aux oubliettes à partir des années 1970, le microphone statique à lampes a fait son grand retour dans les années 1990. Ce type de micro produit des sonorités chaleureuses.  Et effet de mode oblige, toutes les grandes marques ou presque se sont mis alors à proposer leur propre modèle.

Le microphone statique à lampes est notamment très intéressant pour effectuer des prises de son pour les voix.

Vous cherchez un microphone pour votre installation home studio MAO ? Vous souhaitez apprendre comment bien l’utiliser pour votre production studio ? Une formation en ligne MAO vous apprend comment procéder à l’installation de votre studio de musique assistée par ordinateur.

Les cours MAO sont progressifs, personnalisés et toujours adaptés à votre niveau et à votre attente.

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Zoom sur le métier de compositeur pour l’image

Le réalisateur a pour mission de narrer une histoire avec des dialogues et des images. En parallèle, le compositeur doit raconter la même histoire, mais avec des notes. Il passe beaucoup de temps à échanger avec le scénariste, le réalisateur et enregistre ses créations musicales dans une salle de montage.

Son travail de composition est ensuite finalisé avec un orchestre en auditorium.

Les qualités requises pour composer de la musique de film

• Être créatif
• Diplomate
• À l’écoute du réalisateur
• Avoir une culture cinématographique solide

Quand la musique se greffe au visuel

Le compositeur de musique de film écrit les mélodies que le spectateur et le réalisateur veulent entendre. La musique accompagne les couleurs, l’atmosphère et les lumières. C’est à la fois un travail subjectif et guidé.

Chaque projet cinématographique a ses propres problématiques. Autrement dit, écrire une partition pour le cinéma est toujours une nouvelle expérience. Concrètement, il n’existe pas de recette magique qui marche pour tous les films. C’est d’ailleurs ce qui rend le travail difficile et palpitant.

Mao et musique de film

En 2019, le compositeur de musique de film utilise toujours des logiciels MAO : Cubase, Digital Performer, Sonar, Pro Tools ou encore Logic Audio. Il ne faut pas pour autant être un geek pour maîtriser ses outils technologiques. Cependant, une bonne aisance avec l’univers du numérique est un atout crucial.

Communiquer autour de son métier

Un bon réseau professionnel est très important pour se faire connaître. Un producteur de films pour le cinéma ou la télé dépense beaucoup d’argent pour développer un projet. Et, logiquement pour minimiser les risques, il fait plus facilement confiance à un compositeur qu’il connaît ou avec qui il a déjà travaillé. Par exemple, il y a de fortes chances qu’il vous contact si un monteur, un ingénieur du son ou un cameraman lui a parlé de vous.

Les réseaux sociaux sont également d’excellentes places pour trouver des contacts et vous faire connaître. Vous pouvez y partager vos musiques et inviter des réalisateurs à relayer vos créations.

Une autre alternative est d’envoyer directement des mails aux sociétés de production. Pour ce faire, vous veillerez quand même à personnaliser chaque message.

Avoir un site internet

Vous avez besoin de travailler ? Alors, vous devez avoir un site internet. Il est votre meilleur CV. Restez basique, les professionnels du cinéma et la télévision ne sont tous des férus du digitale.

Votre formulaire de contact doit être visible. Privilégiez aussi un format audio pratique comme le MP3. Vous pouvez aussi héberger vos bandes sonores et démo sur une plateforme de partage comme SoundCloud.

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Les outils de mastering sont complexes et leur spécialisation est extrêmement poussée. Dans cet article, vous allez pouvoir découvrir les outils mastering de base, ainsi que les applications tout en un.

Mastering : Éditeur audionumérique

Il existe une multitude d’éditeurs audionumériques, certains sont payants et d’autres gratuits. Un éditeur audionumérique ou logiciel audionumérique sert à manipuler les fichiers audio : montage, enregistrement, mix, traitement, crossfade, conversion…Leur utilisation en mastering est très répandue, mais on les utilise également pour le traitement d’échantillons audio : pour modifier le tempo, supprimer le bruit de fond, changer la hauteur. Parmi les éditeurs audionumériques célèbres, on peut citer Audacity, Recycle, Audition, Soundforge et l’incontournable Samplitude.

Mastering : Le logiciel Mao pour le montage des morceaux

Ce serait prétentieux de vouloir vous présenter la liste complète des logiciels MAO, aussi appelés logiciel de musique assisté par ordinateur. Certains logiciels MAO sont spécialisés dans le Djing, d’autres développées pour les boucles et d’autres encore ont une fonction d’outils pour enregistrer. Un tel logiciel ne requiert pas de connaissances musicales particulières et met l’accent sur la simplicité d’utilisation. Tel autre est un logiciel professionnel demandant de l’expérience. D’autres se présentent comme une solution complète, quasi-autonome, éradiquant alors la question fastidieuse du choix des plugins.

Alors sans exhaustivité et comme promis, voici quelques logiciels MAO qui connaissent une grande notoriété auprès des musiciens et ingénieurs du son : Cubase, Studio One, Reason, Digital Performer, Logic Pro, Pro Tools.

Mastering : Les plug-ins en MAO

Le mot plugin parfois écrit plug-in est important dans la littérature MAO. Il désigne des logiciels et accessoires qui interagissent avec une station de travail hôte dans l’optique de lui procurer un tas de fonctions. On peut choisir parmi des milliers de plugins. Ce programme tourne presque toujours sur le processeur du PC. Certaines marques développent également des plateformes externes de type DSP qui accueillent les plugins. Pour ce type de configuration Home Studio, les plugins accaparent zéro ressource de l’ordinateur. Il est aussi techniquement possible de faire un hébergement des plugins sur des machines reliées en réseau.

Mastering : Les logiciels Midi en MAO

Encore une fois, nous ne tenterons pas de dresser le tableau complet des logiciels MIDI vendus sur le marché. Leur diversité est colossale, même si quelques un offrent un intérêt incertain. Cependant, beaucoup présentent de nouvelles manières de travailler à l’instar du logiciel midi Sony SpectralLayers Pro. Il permet le dé-mixage des fichiers audio. Certains comme Melodyne DNA sont devenus des incontournables et sont des outils puissants pour corriger les hauteurs polyphoniques. Les plateformes internet You Tube et SoundCloud hébergent une pléthore de vidéos et musiques développées avec tel ou tel logiciel Midi. Rien de plus concret pour se faire une idée sur leur intérêt.

Mastering : Contrôleur avec pads

Un contrôleur avec pad est avant tout destiné à la batterie, aux percussions et représente un système de contrôle intuitif pour intégrer des grooves ou une rythmique sur une boucle MIDI par exemple. Chaque pad peut envoyer la note sur le canal souhaité. Ce type d’outil constitue une très bonne alternative au clavier.

Le choix des outils mastering permettent à l’ingénieur du son de définir une stratégie de travail. Tous les logiciels sont interconnectés et leurs fonctionnalités se conjuguent pour définir une texture sonore, un style, une identité musicale.

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Au fil du temps, le solfège est devenu le langage universel des musiciens. Même le talent ne peut remplacer le solfège pour lire une partition de musique. Alors on s’y met, on s’y atèle et on l’étudie. C’est tout le plaisir de jouer de votre instrument qui en dépend !

Le solfège ou la théorie de la musique

Un musicien amateur ou professionnel distingue souvent la théorie de la pratique. D’ailleurs les écoles de musique et les conservatoires proposent en formation à leurs élèves nécessairement des cours de musique de solfège et des cours de pratique d’un instrument. Les deux enseignements se complètent et permettent de développer la créativité musicale.

Les règles musicales sont nécessaires pour apprendre à respecter le tempo, la tonalité, les harmoniques, le rythme et les notes. Sans elles, le musicien risque de prendre de mauvais réflexes et voir son niveau stagner.

Pourquoi prendre des cours de musique ?

Les cours de musique, pour apprendre le piano, la guitare, les instruments à cordes et tout ce qui est capable d’émettre des sonorités complexes, vont vous aider à partir sur des bases solides et à progresser rapidement.

Les partitions de musique se composent d’informations précises qu’il faut apprendre à décoder. Elles permettent de structurer une mélodie afin de mieux la comprendre et la jouer. C’est aussi un moyen mnémotechnique adéquat pour associer facilement les sonorités aux notes.

Le solfège est-il indispensable pour jouer de la guitare ?

La guitare est un instrument à cordes qui peut s’apprendre sans forcement avoir recours au solfège. Pour cela, il faudra néanmoins apprendre à lire une tablature. si vous n’êtes pas passé par la case solfège, sachez que des cours de guitare peuvent vous apprendre rapidement à lire une tablature.

Apprendre à lire une tablature

Une tablature de guitare est en fait un schéma qui représente les 6 cordes de l’instrument. De bas en haut, vous pouvez retrouver dans l’ordre d’apparence les cordes suivantes : E, A, D,G, B, E soit Mi, La, Ré, Sol, Si, Mi. La lecture d’une tablature de guitare permet également de connaitre la position des doigtés sur le manche. Par exemple, le chiffre 6 équivaut à la 6^ème case. Elle est comprise entre la frette 5 et la frette 6.

D’autres informations sont indiquées sur une tablature guitare. Aucune convention officielle n’est établie. Mais l’usage impose certaines normes d’écriture par symboles partagés entre tous les guitaristes. Sans exhaustivité, nous pouvons citer le T pour signifier un tapping, le H pour un hammer le X pour un silence ou encore le AH pour une harmonique.

Et pour l’enchaînement des accords, les cours pratiques feront le reste…

Presque toutes les partitions de musiques sont accompagnées de diagrammes d’accords ou grilles d’accords. Après quelques cours de musique, vous devriez pouvoir les lire facilement.

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