Musique de film – La musique à l’image

Que seraient Midnight Express ou les Dents de la Mer sans bande sonore ? De même, impossible d’oublier la partition du film Les Demoiselles de Rochefort écrite par Michel Legrand.

La musique de film est un élément majeur pour la création cinématographique. Elle donne aux images une atmosphère particulière, transmet des émotions et apporte davantage de sens aux scènes.

Le métier de compositeur de musiques de film est avant tout un travail d’équipe. Il faut mettre son talent au service du réalisateur, des acteurs, du scénariste et de l’ingénieur du son. Un compositeur de musique pour le cinéma doit également être créatif et savoir discuter avec toutes les personnes présentes sur un tournage.

En plus de cette coopération nécessaire, le compositeur de musique doit être capable de travailler seul en studio. La quiétude lui permet de réunir son énergie créatrice et finalement d’écrire les partitions d’une œuvre.

Les études et formations pour devenir compositeur de musique de films

Plusieurs études et cursus de formations existent pour apprendre à composer pour le septième art. Conservatoire de musique, formation de composition par l’image, cours de musique à l’image, licence universitaire TAIS. En outre, tous ces parcours de formation sont complémentaires.

Comment trouver son premier contrat ?

Avant de décrocher votre premier contrat de compositeur de musique de film, vous allez devoir regarder plein de films, savoir ce que vous aimez et ce que appréciez moins. Il est également indispensable de se confronter à l’exercice de poser de la musique sur des images.

Dans ce métier, il faut être énergique et avoir l’audace de frapper aux bonnes portes. Le relationnel joue aussi un rôle important.

Le salaire du compositeur de musique de film

Le compositeur de musique de film perçoit une prime de commande. Le succès du film et les diffusions télévisées sont des données capitales dans le calcul de la rétribution. Difficile de dire combien gagne un compositeur de musiques de films car il n’y a pas de salaire moyen. Par exemple pour un long métrage, la prime peut être fixée à 30000 euros. Si le film enregistre 2 millions d’entrées, le compositeur peut toucher 30000 euros en plus. Il percevra aussi de l’argent pour les droits Sacem.

De la passion et du travail

Réaliser des partitions pour les films est avant tout une histoire d’envie et de passion. Il faut être un véritable amoureux du cinéma et suivre son actualité. Le métier de compositeur de musique de film n’a plus rien avoir avec ce qui se faisait il y a encore 20 ans seulement. Aujourd’hui, les bandes sons sont crées très souvent par musique assistée par ordinateur (MAO) et le compositeur doit être plus autonome dans son travail.

Cet article Le métier de compositeur de musiques de film est apparu en premier sur Composition de M.A.O.

Bien le bonjour!

Je suis Bruno de ComposerSimplement et je vous souhaite la bienvenue. J’ai fondé ComposerSimplement avec la mission d’offrir des astuces pour l’écriture musicale et autres sujets connexes, comme la vie en studio et la promotion de la musique.

Justement, dans cet article, je parle de publier sa chanson sur les plateformes de distribution style Spotify, Soundcloud et compagnie.

Vous travaillez fort à écrire, enregistrer, produire et mixer votre chanson depuis un moment déjà. Pour certains, quelques jours et pour d’autres, ça peut s’étaler sur plusieurs semaines. Une fois masterisée, vous publiez via un distributeur de service (ex. : Distrokid) et votre chanson est prête à être entendue dans le monde entier.

Mais en écoutant votre morceau sur SoundCloud, vous remarquez que c’est étonnement fort comparé à Spotify ou iTunes. Mais pourquoi? Vous ne vous étiez pas préparé à ça non plus!

Non en effet, rendu au mastering, il est important de rendre la chanson assez forte pour optimiser son écoute sur les plateformes de streaming. Non, Spotify et autres n’ont pas tous les mêmes normes en termes de volume.

Dans cet article, je vais vous parler des standards de volume pour les plateformes et de quels outils vous servir pour favoriser une bonne écoute.

LUFS et normalisation

Donc, pourquoi votre chanson sonne différent sur SoundCloud? Plus forte sur YouTube? Comment faire un master pour iTunes? La vérité est que la majorité des plateformes en ligne ont un processus de normalisation de volume. Autrement dit, pour éviter de trop grandes différences de volume entre les chansons de différents styles et artistes, elles seront toutes normalisées à un niveau de volume similaire.

Si vous écoutez une chanson de jazz suivie d’un morceau trance, elles auront le même niveau de volume perçu. Cette normalisation de volume est mise en place pour éviter que l’auditeur doit changer lui-même le volume (une tâche de moins à faire).

Avant que j’aille plus loin, je tiens à préciser que le volume perçu est mesuré en LUFS. C’est un acronyme anglais pour Loudness units relative to full scale. En mastering, on mesure la gamme dynamique avec le RMS (niveau de volume moyen pour la chanson) avec le peak (transient le plus fort de la chanson). Ça fait une équation comme ça :

Peak – RMS = Gamme dynamique de la chanson

Le LUFS se trouve à être une valeur RMS beaucoup plus précise quant au volume de l’audio.

Quel standard pour quelle plateforme?

Les plateformes de distribution ont des standards différents en termes de LUFS. Mais certaines peuvent se rapprocher. Je prends exemple sur Spotify dont l’audio doit être à -14 LUFS. En gros, si le LUFS de votre chanson est à -8 LUFS, elle sera amenée à -14. Donc, ça va sonner moins fort d’un sens. Si vous aviez une chanson à -20 LUFS, elle sera aussi amenée à -14! Et ça risque de sonner trop fort.

Toutefois, un standard en LUFS offre un gros avantage : elle pousse les artistes à mixer/masteriser leur musique de façon plus dynamique et moins compressée. Autrement dit, elle vient défaire la Loudness War (la guerre de volume). Je ne m’aventurerai pas dans ces chantiers aujourd’hui, mais c’était une tendance du début des années 2000 où les nouveaux et les vieux albums étaient masterisés/remasterisés pour sonner plus fort.

C’était une question de volume perçue.  »Ma chanson est meilleure parce qu’elle sonne plus fort ». Faux!

Que se passe-t-il si vous ne masterisez pas votre chanson au bon niveau de LUFS? Pour vous illustrer le concept, disons que vous avez un morceau masterisé à -14 LUFS.

Si vous avez compressé et limité beaucoup pour que ça donne plus fort, ça peut tuer la dynamique. Maintenant, une chanson est masterisée à -8 LUFS.

Si votre chanson est mise en ligne sur une plateforme comme Spotify qui a en moyenne -14 LUFS comme standard, le volume de votre piste sera diminué pour ressembler à ça.

Source : Future Producers

Pas très chic, n’est-ce pas? Donc, si vous voulez que la qualité de votre chanson soit préservée, c’est très important de masteriser en tenant compte du standard des plateformes. Pour l’instant, ils ressemblent à ça.

Source : Mastering The Mix

Comment optimiser son mastering pour les plateformes?

C’est sûr qu’il y a un mastering de base à faire sur votre chanson. Les étapes se trouvent plus bas.

Je vous mets le lien ici, mais pour décortiquer ça rapidement :

1. Importer sa chanson en 48KHz/24bit dans une nouvelle session.
2. Importer une chanson de référence dans le même style (une chanson déjà masterisée et sur les plateformes
3. Utiliser un EQ et un compresseur pour avoir environ le même genre de brillance et de punch que votre référence.
4. Utiliser un limiteur pour rendre votre chanson plus forte sans détruire votre dynamique.

Toutefois, comme dernière étape, j’ajouterai l’utilisation d’un loudness meter pour voir vos niveaux de volume. Celui que j’utilise est de la version gratuite de la compagnie Youlean.

Comment ça marche pour mesurer le LUFS? Quand vous mettez le plugin sur votre piste, vous allez voir plusieurs appellations avec LUFS. Mais pour mesurer le niveau moyen, regardez-le Integrated. Il mesure le niveau moyen dans la chanson entière.

Si votre LUFS tourne autour de -13 à -14, laissez-le tel quel et importez votre chanson finale pour la mettre sur les plateformes. Même si le standard des LUFS varient d’une plateforme à l’autre, -13 à -14 reste un bon compromis si vous publiez votre chanson sur différents systèmes d’écoute et de streaming.

Si votre chanson ne sonne pas assez fort, manipulez vos outils (EQ, Compresseur et Limiteur) en conséquence pour atteindre le niveau de LUFS recommandé. Si ça sonne trop fort, diminuez-le bien sûr!

Une chanson que j’ai fait avant mastering. Integrated donne le volume moyen.

Conclusion

C’était ce que j’avais à vous présenter sur le LUFS. C’est un sujet assez négligé, mais les standards des plateformes ont été mis en place justement pour arrêter le phénomène de la guerre de volume.

Dorénavant, même si vous mixez fort ou non, votre chanson sera quand même amenée à un niveau de volume standard. Si vous ne prenez pas le temps de vérifier la loudness de votre chanson, vous risquez de perdre de la qualité sonore et ça serait dommage de présenter une chanson comme ça à un auditoire, non?

Alors, les outils pour mesurer les LUFS sont très accessibles et très simples d’utilisation. Ça m’a fait plaisir de partager ce sujet avec vous! Et vous? Quelle place a le LUFS dans votre mixage/mastering?

Si vous voulez d’autres conseils sur le mixage et l’écriture musicale, vous pouvez visiter le site de ComposerSimplement.

Portez-vous bien!

Cet article Masteriser sa chanson pour les plateformes de musique est apparu en premier sur Composition de M.A.O.

Le décret du 15 décembre 1998, principalement conçu à l’attention des discothèques, a permis d’y réduire considérablement des niveaux sonores parfois hallucinants. De même en salle de spectacle, l’installation de limiteurs a réduit des pressions acoustiques souvent exagérées, même si de nombreuses salles restent à ce jour non équipées. Enfin, un des aspects non négligeables du décret concernait l’isolation phonique avec l’environnement proche, souci particulièrement connu des voisins de lieux de l’émission sonore en milieu urbain (…et des musiciens MAO).

Ça se passe comment chez nos voisins ?

On constate une grande disparité dans les normes qui définissent les seuils de niveau à ne pas dépasser dans les lieux de diffusion. En Suisse, l’ordonnance du 1/04/96 fixe le volume sonore moyen à ne pas dépasser les 93 dB(A) et en Belgique, selon l’arrêté du 24/02/77, la norme acoustique de la musique est à 90 dB(A) dans les établissements publics et privés. Au Royaume- Uni, les « sound advice » émis par le Ministère de la Santé s’inscrivent dans la réglementation sur le contrôle du bruit au travail de 2005 : pas de prescriptions réglementaires, mais un encouragement à rester… raisonnable !… En Allemagne, les recommandations concernant les risques au-delà de 85 dB(A) sont mentionnées pour tous les styles de musique (on ne parle pas, comme chez nous, uniquement de musique amplifiée), mais pas de réglementation contraignante non plus.

Ces différences d’approche mettent le doigt sur la nécessité qu’il y aurait à harmoniser les réglementations sonores entre les différents pays européens, au moins sur des valeurs voisines, pour la protection des spectateurs, artistes et du voisinage.

Volume sonore : que dit la loi en France ?

Le texte du 8 août 2017 reprend dans les grandes lignes les attendus du décret de 1998 concernant les niveaux sonores, abaissés et les moyens pour les réguler, ainsi que les dispositifs d’atténuation pour le voisinage.

Le décret du 8 août 2017 apporte des enrichissements significatifs à la démarche de prévention des risques sonores. Dans un premier temps, le fait d’appliquer les dispositions de régulation des niveaux sonores à toutes les manifestations accueillant plus de 300 personnes, qu’elles se déroulent en salle ou en extérieur, et de réduire le niveau de 105 à 102 dB(A) moyenne sur 15 minutes est déjà de la plus grande importance.

En effet, compte tenu de la caractéristique logarithmique du décibel, un gain (et donc, à l’inverse, une réduction) de 3 dB correspond à un doublement (ou une division par deux) de la puissance nécessaire pour produire le signal. Au niveau de notre écoute, c’est… largement suffisant. Au niveau de la sauvegarde de notre système auditif, cette réduction n’est cependant pas toujours significative

Qu’est-ce que ça doit changer dans nos habitudes ?

La dégradation de notre système auditif est insidieuse avec l’âge déjà, mais aussi avec les contraintes importantes que les niveaux sonores musicaux mal contrôlés peuvent lui infliger.

Les créateurs de musique MAO peuvent travailler au casque par nécessité ou par choix…Attention, les risques d’abîmer son audition ne sont pas une légende urbaine ! Sans oublier aussi que le mixage au casque n’est pas un excellent choix… mais c’est un autre sujet qui fera d’ailleurs l’objet du prochain article.

On estime que 12 à 13 % de la population française, un pourcentage bien supérieur à celui des musiciens, connaissent des troubles auditifs. Jouer moins fort sur scène ou en home studio, s’accorder des moments de pause réguliers, de même qu’au cours d’un mixage ou une séance d’enregistrement en studio un peu longue, mais aussi… écouter moins fort ses musiques préférées, choisir les artistes que l’on va écouter au concert en fonction de la puissance raisonnable de leur sono…

Voilà des comportements que la logique devrait pouvoir nous permettre d’avoir au quotidien et indépendamment des lois finalement !

Cet article Niveau sonore et musique amplifiée : que dit la loi ? est apparu en premier sur Composition de M.A.O.

En quinze ans, les choses se sont modifiées radicalement, le DIY, Do It Yourself ou « fais-le toi-même », est devenu possible grâce à l’évolution technologique et à des plates-formes comme TuneCore. La baisse des prix et la hausse des performances du matériel MAO permettent aujourd’hui de créer de la matière audio de qualité.

Il est intéressant de comparer l’ancien modèle physique conduisant l’artiste à ses fans avec celui d’aujourd’hui. Le modèle numérique classique a naturellement supprimé la case fabrication de la liste. Maintenant, c’est l’artiste qui est au centre des rôles. Cette bascule, c’est finalement le consommateur final qui l’a imposée, et ce, devant l’industrie du disque telle qu’elle était auparavant.  Crise du disque et évolution technologique ont d’ailleurs fortement influencé les choses. Plus besoin d’être un artiste déjà reconnu pour produire de la musique.

Ainsi, n’importe quel musicien (ou pas !) avec un laptop et une compréhension globale de la création audio home studio peut créer un contenu musical de valeur qu’il peut faire entendre aux quatre coins de la planète, en un minimum de temps.

Tunecore : vous connaissez ?

Le concept DIY et sa simplicité de mise en oeuvre ont révolutionné l’industrie de la musique indépendante et en est devenu le business model reconnu. Cependant, si tout est plus rapide et économique, l’investissement réclamé au créateur est plus important, puisque c’est lui qui gère tout. C’est à cette étape que TuneCore se révèle être un atout majeur, en prenant en charge la distribution du catalogue sur la plupart des plates-formes dans les 48 heures, avec un aperçu des ventes en temps réel, en monétisant le contenu audio et vidéo sur YouTube, en collectant Les royalties dans le monde entier et en assurant la promotion de la musique.

Gagnez de l’argent en créant sa propre musique en studio MAO

Ne perdons pas de vue que l’objectif final, créer de la musique, c’est bien, la faire connaître, c’est top, en tirer des revenus, c’est encore mieux ! TuneCore a mis au point la technique Administration Publishing Synchro. En clair, La plate-forme aide les auteurs-compositeurs à collecter leurs royalties dans 60 pays.

Le site mise sur la simplicité grâce à un tableau de bord automatisé, des relevés clairs et transparents, qui permettent d’analyser d’un coup d’oeil les titres générant le plus de royalties selon les pays. Ce qui, à terme, offre d’orienter le créateur de musique MAO vers le style à adopter selon les éventuelles modes d’un pays ou d’un autre. Des services spécifiques, Ideal Rights ou encore Right’sUp, aident à percevoir les droits et à optimiser les revenus.

Enfin, pour mettre toutes les chances de son côté, TuneCore propose des passerelles vers des plates-formes de construction de sites web pro afin de promouvoir les œuvres et les vendre directement. Nous pouvons citer des plates-formes qui s’adressent aux fans (Dify, Soundbirth, Bigwax, Bandzoogle) ou encore des outils de gestion de tournées (Purple Base, Band Tiger, Bandsquare, Little Concert). Bref, il est temps de tester par vous-même !

Mais avant de vendre votre musique et réussir votre business, que diriez-vous de suivre une formation Mastering et MAO niveau avancé ou pro sur internet (off course !) ?

Cet article Produire sa propre musique est apparu en premier sur Composition de M.A.O.

L’orchestre symphonique a toujours occupé une place de choix dans la composition de musique de films. Mais sa déclinaison big band et jazz est elle aussi très présente à l’écran. C’est sur ce constat que Project Sam propose avec Swing propose avec Swing une magnifique banque Kontackt, unique en son genre.

Project Sam sait proposer des banques sonores cinématiques pointues, très efficaces et utiles, dans des niches que la concurrence ne pense pas toujours à explorer.

Après Swing – The Other Film Orchestra qui a initié cette exploration de l’orchestre jazz, métissé d’instruments typiquement cinématiques (guitare manouche, accordéon, harmonica…), Swing More enfonce encore un peu plus le clou. Et cerise sur le gâteau, les deux opus sont totalement complémentaires, 100 % de leurs contenus leur étant spécifiques.

Le complément de Swing !

Les plus de 120 000 échantillons représentant 40 Go de don¬nées au format NCW (donc, le double décompressé) laissent présager du degré de raffinement du projet. En association avec Swing – The Other Film Orchestra, l’utilisateur dispose de la meilleure solution pour produire du jazz/big band cinématique à l’heure actuelle.

Un tableau sur le site de l’éditeur permet d’ailleurs de voir ce que l’on trouve dans chacune de ces deux banques. Swing More, qui est compatible NKS, propose jusqu’à trois perspectives de micros et nécessite la version 5.6 de Kontakt ou de Kontakt Player.

Pour ceux qui le souhaitent, une version sur clé USB 3.0 est disponible en plus de la version en téléchargement. L’interface des instruments est intuitive et on ne peut plus simple.

Les instruments disponibles

Les instruments disponibles sont distribués en huit groupes : Big Band Chords, Brass (Bass & Tenor Trombones & Trumpets), Guitars (Banjo, Bass, Jazz Guitar, Mandolin & Ukulele), Percussion (Big Band Drums, Bongos & Congas, Small Perc Kit, Vibraphone), Piano (Swing & Warm), Saxes & Clarinet (Soprano, Tenor, Alto, Baritone), Strings (Ail, Celli & Basses, Violins) et Vocal (Women).

Ils existent en diverses versions : Basic (sans legato), Longs, Legato Versatile (avec le plus possible de variations legato comme Fast, Slur et Run), Legato Soft (pour les nuances douces), Legato Multi-Dyn (avec toutes Les nuances), Rhythmic (pour des passages jazzy rapides : Short, Staccato, Sforzando, Crescendo, Falls et Stabs).

Les compositeurs et arrangeurs de jazz le savent : il n’est pas aisé de produire des mock-ups (maquette son) de big band, même avec les meilleures banques d’orchestre symphonique. Les raisons sont multiples, mais on peut en citer certaines : esthétiques différentes, prises de son et mixages spécifiques, feeling et modes de jeu à part, com¬position et arrangement basé sur des approches parfois opposées… Swing More, pensé jazz et big band se pose donc comme le véritable chaînon manquant. Il séduira, certes, d’abord les compositeurs MAO de musique de films, mais espérons-le aussi les jazzmen.

Plus d’infos avec notre formation MAO compositeur de musique de film et musique à l’image.

Cet article Project Sam Swing More est apparu en premier sur Composition de M.A.O.

Avant d’aller plus loin avec Maschine Jam, il est nécessaire de rappeler ce qu’est le logiciel Maschine de Native Instruments. On pourrait le définir comme une mini-DAW, entre l’instrument, le sampleur, et le générateur de rythmes. Il tourne soit en mode autonome, soit sous forme de plugin à intégrer donc dans votre logiciel MAO préféré.

Avec ses huit colonnes de huit rectangles aux couleurs arc-en-ciel, Maschine Jam en impose une fois dans les mains (poids de 2,8 kg) et donne une impression de robustesse particulièrement agréable au toucher. Ce matériel technologique de 30 cm de côté s’installe très facilement et s’alimente principalement via le port USB.

Un arc-en-ciel sonore dans votre home studio

Par défaut, la matrice de Jam se constitue de 64 rectangles. Ils représentent vos Scenes et Patterns du Group correspondant.

Dans la partie inférieure droite de la matrice, seize boutons sont marqués d’un chiffre. Ils permettent de déclencher et de sélectionner vos Sounds.

Pour communiquer avec Maschine, Jam utilise principalement trois outils pour voguer parmi les multiples paramètres. Le bouton Browse initie la communication avec la librairie et juste au-dessus le potard noir appelé Encodeur permet de naviguer et de faire défiler les sons. À l’opposé de l’appareil, on retrouve le D-Pad avec ses quatre flèches qui permettent de choisir les sous- menus.

Maschine Jam veut donc fournir une nouvelle façon d’interagir avec le logiciel Maschine. Ses grands frères (Mikro, Studio et Maschine) étaient plus portés sur une expérience de type MPC. Avec ses 64 rectangles aux couleurs arc-en-ciel, Maschine Jam gagne en interactivité et apporte ses merveilleuses lumières !

Des effets de sons hallucinants !

Si les paramètres sont poussés au maximum, vous pourrez générer des harmoniques abstraites et mouvantes, vraiment très loin de votre son ou séquence de départ. Si vous êtes plutôt du genre « crado », Reso Echo sera votre nouvel ami avec ses saturations ultra-psychées.

En définitive, c’est un outil à rapprocher des plugins IDM réalisés par l’éditeur Glitchmachines. Toutes les manipulations d’effets se font grâce à Smart Strips et, une chose bien pensée est qu’il est possible de les automatiser pour les rappeler ultérieurement grâce aux boutons « Control » et « Auto ».

Architecture de Maschine Jam

L’architecture de Maschine Jam est bien plus communicative que Maschine Studio et Maschine, restés bloqués dans le même écosystème. C’est une excellente démarche de la part de Native Instruments d’avoir mis de côté son protocole propriétaire et de proposer une transposition de l’interface du Maschine Jam comme contrôleur MIDI multifonction pour d’autres logiciels MAO.

Bien qu’il fasse toujours partie de l’écosystème Maschine de Native Instruments, le Jam se démarque de la famille en devenant un séquenceur pas à pas plus sophistiqué et aussi un véritable instrument à toucher et manipuler dans tous les sens. Par son architecture ouverte, il peut aussi prendre le rôle d’un contrôleur USB avancé pour d’autres logiciels…et ainsi offrir son ergonomie bien réalisée au service de votre DAW favori !

Cet article Maschine Jam est apparu en premier sur Composition de M.A.O.

Depuis de nombreux siècles, la phase « d’écriture musicale » a souvent été considérée par les musiciens comme un… mal nécessaire, utile à la mise en oeuvre du travail de répétitions, mais aussi à la transmission de leur oeuvre aux générations futures. Mais ceci au détriment de l’immédiateté de « l’idée », tout au moins sur le plan compositionnel.

Cependant, la partition s’impose quand même comme le moyen le plus pratique pour communiquer entre musiciens ! La proposition de Steinberg, qui offre un éditeur de partitions dans Cubase, mérite donc d’être analysée…

Logiciel Dorico – Les premiers pas

Une grande partie de la « difficulté » d’utilisation d’un éditeur de partitions réside dans la configuration du projet sur lequel on va travailler. Facile pour une partition de chant simple, mais ça peut devenir très vite bien plus ardu dès lors qu’il s’agit d’une partition d’orchestre.

Le logiciel doit donc permettre au musicien une saisie rapide de sa création. Sans doute, était-ce l’objectif fondamental du cahier des charges de Dorico, puisqu’il propose une approche mono-écran qui permet un travail global sur le projet, sans faire appel à plusieurs fenêtres.

Écrire de la musique avec un logiciel

Il est certain que les développeurs de Dorico ont été particulièrement attentifs aux fonctionnalités, fragilités et points forts des autres logiciels d’édition de partitions. Dorico se déguste immédiatement, sans qu’il soit nécessaire, au premier niveau, de faire appel à une quelconque aide en ligne ou au mode d’emploi, qui d’ailleurs est quand même un peu léger…

L’ensemble des professionnels de la musique, compositeurs, arrangeurs, graveurs devrait apprécier la réactivité du logiciel et il est fort probable que le monde de l’enseignement artistique, professeurs de conservatoire, d’éducation musicale en collège, chefs de chœur, directeurs d’harmonie ou de petits ensembles, tout comme les musiciens amateurs en feront très vite leur outil de travail préféré !

Les aficionados de Finale risquent de connaître un (court) moment de désarroi dans leurs habitudes, car l’approche du logiciel se veut une nouvelle fois différente et, surtout, proche de la logique papier/crayon , avec d’efficaces raccourcis clavier qui suppriment les menus contextuels.

L’interface principale propose cinq onglets, Configuration, Écriture, Gravure, Lecture et Impression, qui, comme leurs noms l’indiquent, permettent l’accès à différents paramétrages et aux configurations de la fenêtre de travail.

Configuration et écriture – Logiciel Dorico

C’est par l’onglet « Configuration » que l’on accédera à la page de travail. On y trouvera l’identification des instruments utilisés, ainsi que toutes les options immédiatement accessibles, telles que les possibilités de disposition des portées, leur taille, etc. Les options d’affichage (score complet, partition séparée) prévoient aussi de réaliser des groupes de portées qu’on pourra adapter aux besoins : les bois, avec un piano conducteur, les cordes et le solo de flûte… On pourrait presque se prendre à rêver, dans l’avenir, d’une partition interactive sur tablette, pour les musiciens d’un orchestre symphonique !

N’hésitez pas à nous contacter pour prévoir des cours en ligne !

Cet article Écrire ses partitions est apparu en premier sur Composition de M.A.O.

La configuration nomade du studio demeure aujourd’hui largement dirigée par l’ordinateur couplé à une interface audio. L’enjeu d’aujourd’hui et de demain : un poids léger, le plus faible encombrement possible, pouvoir créer en toute liberté, pouvoir capter du son avec un rendu irréprochable. Bref, le studio itinérant…

C’est un peu comme passer sa vie à chercher le paradis… Justement, allons le retrouver…

Un home studio nomade sur téléphone portable ?

Déjà présents depuis un certain nombre d’années, les tablettes et smartphones continuent d’attirer les développeurs et constructeurs de l’audio pro. Il ne serait pas étonnant qu’un jour, ils remplacent l’ordinateur dans le cadre du studio itinérant, car moins encombrants et plus intuitifs. Côté DAW, seuls Apple avec GarageBand et Steinberg avec Cubasis 2 ont décliné leur logiciel phare au profit de l’environnement iOS.

Que valent ces versions adaptées ? Si l’on prend l’exemple de Cubasis 2, il s’agit d’un Cubase allégé certes, mais qui offre un grand nombre de fonctions, à commencer par la création illimitée de pistes MIDI et audio (limitée par la capacité de stockage interne du terminal). On y trouve aussi des mini-sampleur, clavier MIDI, Chord Pad et pads virtuels (ce qui évite le transport d’un clavier réel), éditeur MIDI/audio, console et effets. Cubasis 2 supporte les applications aux formats AU/IAA et Audiobus 3.

Comment relier un terminal mobile à une interface audio ?

Il existe des stations d’accueil, notamment l’i0 Dockll première du genre et intronisée par Alesis.

Elles permettent de profiter d’entrées/préamplis/sorties/ audio/MIDI identiques à ce que proposent les interfaces standard. Justement, l’autre méthode est d’utiliser la fameuse carte son au format demi-rack en général plébiscité par le plus grand nombre, comme la Focusrite iTrack Solo qui est compatible Mac, PC et iOS.

Enfin, il n’est pas rare de voir un nomadisme à la croisée des chemins entre ordinateur et appareils iOS. iConnectivity a intronisé un produit révolutionnaire, l’iConnect AUDlO 4+. Si son rôle premier est de traiter l’audio venant de l’extérieur, il est capable de le faire router ensuite vers un iPhone et un iPad dès lors qu’ils sont connectés à lui. L’inverse est aussi valable. On fera de même avec les informations MIDI. Voilà l’interconnexion entre appareils à tout moment et n’importe où.

Et pour les microphones ?

Côté microphones pour terminaux mobiles, là aussi les constructeurs s’engouffrent de plus en plus dans ce segment de marché.

La plupart sont basés sur des capsules à électret, c’est-à-dire électrostatiques à membrane pré-polarisée.

Comme par ailleurs, le signal va parcourir un chemin très court voire inexistant quand le microphone est directement connecté au terminal, la consommation électrique n’en est que plus réduite et parfaitement gérable par la batterie lithium-ion de ce dernier.

Parmi les modèles existants, on trouve le MK4 Digital, fruit d’une collaboration entre Sennheiser et Apogee, Audio-Technica et son AT2020USBi, Blue avec Spark Digital, mais la palme d’or revient au Lewitt DGT 650 microphone USB le plus polyvalent du marché.

Retenons alors que l’emploi de tablettes et de smartphones optimise l’aspect poids et encombrement du studio itinérant. Notre setup ultra light idéal réunit donc iPad, Cubasis 2/GarageBand et Lewitt DGT 650.

Cet article Un home studio sur smartphone est apparu en premier sur Composition de M.A.O.

Après avoir consciencieusement œuvré en édition pour des boucles parfaites, il s’agit à présent de leur donner du relief à la diffusion et, pour cela, nous vous proposons une sélection de vingt plugins qui vont booster vos samples en les faisant passer au travers de channel strips, delays, filtres, générateurs d’harmoniques, distorsions, granulations, artefacts robotiques, auto-tune ou amplification vintage. Autant de traitements de choc pour valoriser vos productions en leur apportant une texture supplémentaire et bien entendu… tout en gratuit !

Apprenez à utiliser tous vos logiciels MAO préférés avec une formation mixage en ligne ! Et booster vos samples….

Anarchy Rhythms

Mi-effet, mi-boîte à rythmes, Anarchy Rhythms utilise l’audio d’une piste classique ou d’instrument pour en moduler le son. Trois zones géographiques facilement identifiables composent le plug-in.

L’éditeur de patterns offre quatre pistes distinctes, nommées QuickKick, Stabl, Stab2 et HiSwitch, représentées par quatre lignes horizontales de couleurs différentes.

L’affichage par défaut montre quatre mesures de quatre temps symbolisés par des lignes verticales.

Un clic sur le menu 4 Beats supprime une mesure pour n’arriver qu’à une seule. Même chose pour le nombre de temps qui composent la mesure. Des présélections de patterns sont aussi disponibles sous le menu déroulant situé dans le coin inférieur droit. Effet garanti sur vos boucles originales !

Bark Of Dog / Width Hnob / Panipulator

Boz Digital Labs propose trois plugins bi-plates-formes multi-formats, jouant sur la qualité lo-fi du son.

Bark Of Dog est un filtre résonant passe-haut. En trois clics, l’utilisateur trouve le son, si caractéristique à ce type d’effet, qu’il recherche. Sur le même principe, Width Knob propose l’ajustement de la profondeur stéréo partout où vous en aurez besoin, à l’aide d’un seul et unique potentiomètre.

Panipulator vise une autre phase du travail de compo, l’écoute de ses boucles à travers de mauvais systèmes de restitution audio ! C’est le rôle de ce Panipulator que de simuler ces défauts audio caractéristiques que l’on retrouve dans des environnements non adaptés à l’écoute de la musique. Indispensable !

BitterSweet v3

BitterSweet v3 est un outil de processing audio gérant les transitoires d’un signal. C’est particulièrement sur des boucles qu’il va se montrer utile et ce, de manière très simple, en tournant le gros encodeur central. En le dirigeant vers Sweet, l’utilisateur décroît l’amplitude des fréquences transitoires, vers Bitter, elles sont sublimées.

Trois modes de fonctionnement : lorsque Main est activé, c’est le signal stéréo qui est affecté, Center affecte le canal Mid (idéal pour les kick drums), Stéréo gère le côté Side de la matrice M/S. Un mode d’emploi très complet accompagne le plugin, pour ceux désirant en savoir plus sur son action sur le signal.

Harmonics

Harmonics est l’un des quatre freewares de la vaste gamme d’ Hornet Plug-ins. Il se télécharge sous réserve d’une inscription au site et d’un partage via un réseau social. Ce « Wave Shaper » en multi-format offre un contrôle direct sur dix générateurs d’harmoniques dont l’amplitude et la phase peuvent être ajustées individuellement.

Une forme d’onde apparaît à droite de l’interface pour indiquer la réponse en fréquences et un jeu de onze presets d’usine est inclus, couvrant les types de distorsion basiques. L’interface, non redimensionnable, conviendra parfaitement à un moniteur HD.

Cet article Boostez vos samples est apparu en premier sur Composition de M.A.O.

Qu’est-ce que la compression et pourquoi l’utiliser ?

Basiquement, il s’agit de réduire la dynamique d’un signal et, donc, de diminuer l’écart entre les sons les plus forts et les sons les plus faibles. À l’origine, il s’agissait d’adapter la dynamique des premiers supports (vinyles, bandes ou cassettes) à celle des orchestres qui étaient enregistrés (essentiellement en musique classique et jazz). Par la suite, dès l’apparition des chaînes d’amplification ou encore des instruments à faible rendement, le compresseur est devenu indispensable !

Ainsi, on pouvait espérer entendre la partition d’une contrebasse alors qu’elle était entourée de la batterie et de guitares électriques. Curieusement, de nos jours, alors que toutes les sources ou presque sont au moins disponibles en 16 bits et que nous disposons donc d’une dynamique proche de la réalité, cette compression n’est plus techniquement nécessaire et pourtant… Elle n’a jamais été aussi présente !

Tout d’abord, il reste des cas irréductibles : la voix, quel que soit le genre musical (même le chant lyrique) est presque toujours compressée. Aussi peu que ce soit, afin de faciliter son intégration.

L’usage principal du traitement est devenu esthétique. Plus globalement, le fait de compresser sert à optimiser l’enregistrement en le rendant plus audible. Et l’industrie musicale s’est mise à compresser, beaucoup, sans nécessité réelle, c’est ce que les professionnels ont d’ailleurs appelé la « loudness war ».

À sa décharge, les nouveaux usages de consommation de la musique poussaient dans cette direction. On ne mixe pas pour des ear-plugs dans le métro comme on le ferait pour une écoute hi-fi dans un environnement contrôlé !

Compression : Le « comment »,

Rappelons-nous qu’un certain nombre de paramètres vont conditionner le comportement de notre compresseur : le seuil, le ratio, les temps d’attaque et de release et la progressivité. Certains appareils permettent l’ajustement de toutes les variables, alors que, sur d’autres, elles restent inaccessibles. Ce paramétrage n’est pas forcément gage de qualité !

Les différents paramètres de la compression

Le seuil (threshold) :

Il s’agit d’un réglage de niveau au-delà duquel le module dynamique commencera à agir. Dès que ce niveau est atteint ou dépassé, le processus de compression commence.

Le ratio :

Il détermine le facteur de réduction du signal qui excède le seuil. Rappelez-vous, en dessous de celui-ci, le signal reste inchangé ! Un ratio peut varier de 1:1 à Inf:1. Comment cela se traduit-il ? Plus le seuil est bas, plus la quantité de signal compressé est importante et plus le ratio est élevé, plus la réduction du signal traité est importante ! À l’aide de ces deux premiers ajustements, vous pouvez compresser très peu votre signal ou, au contraire, ne traiter que les niveaux les plus élevés, mais… drastiquement !

 L’attaque (en ms)

Elle détermine le temps nécessaire au compresseur pour atteindre le ratio demandé lorsqu’on dépasse le seuil. Un temps très rapide (quelques millisecondes) permettra au compresseur d’agir quasi instantanément. C’est ce que l’on demande au brickwall final d’un process de mastering, par exemple.

Le relâchement (en ms et sec)

C’est le temps nécessaire au compresseur pour rejoindre sa position de « repos », soit le ratio 1:1, lorsque l’intensité du signal d’entrée retombe en deçà du seuil. Des temps rapides (en dessous de 100 ms) conservent un certain punch au signal d’origine, alors que des temps plus importants vont augmenter les réverbérations.

L’arrondi (knee) :

Il détermine comment se comporte la transition entre le son non compressé et le son traité par le ratio nominal que vous recherchez.

On retiendra que les compresseurs de dernières générations analogiques ou les compresseurs numériques sont capables de « hard knees », alors que les compresseurs vintages sont plutôt caractérisés par des « soft knees ».

Cet article Pourquoi et comment compresser ? est apparu en premier sur Composition de M.A.O.