Salut, c’est Alex de Beat Genius !

Je vais te montrer tout ça sur FL Studio. Si tu découvres ma chaîne, je t’invite à t’abonner, je fais une vidéo chaque jour sur la production et le beatmaking, en général. Je vais aussi te préparer un pack de sound qui se trouve dans la description. Tu peux aller le télécharger si ça t’intéresse.

Donc, on va pouvoir passer tout de suite aux gammes. Pour te montrer ça, je vais aller dans le piano roll, donc là, je désactive le son. Une gamme, c’est quoi ?

En fait, une gamme, c’est une suite de notes qui vont toutes bien sonner ensemble. Qu’est-ce qu’on peut en déduire de cette définition ? C’est qu’en fait, à l’intérieur de la gamme si tu mets plusieurs notes, elles vont toutes bien sonner ensemble et donc tu pourras faire des mélodies facilement grâce à ça.

Comment trouver une gamme ? Sur FL Studio, c’est assez simple, en fait, un raccourci ici « Stamp » qui permet de définir des gammes facilement. Donc, tu as ici « Melodic scales », en français ça veut dire « gamme ».

Donc des gammes musicales qui vont te donner une suite de notes que tu vas pouvoir mettre les unes à la suite de l’autre.

En fonction du nom de la gamme et de l’origine de cette gamme, tu vas avoir différentes tonalités, différentes ambiances. Par exemple, tu as les gammes un peu mineures, qui vont vous donner une ambiance un peu plus triste ; tu as les gammes majeures qui vont donner quelque chose de plus joyeux. Après, ce que je dis là, c’est à prendre avec des pincettes, ça dépend des gammes aussi. Par exemple, tu as la gamme Arabic, qui va te donner ce petit côté Arabique de sonorités.

Je veux juste te montrer comment utiliser l’Eolien. C’est une gamme mineure, donc tu vas pouvoir sélectionner ça et cliquer sur une note. Ensuite, ça va t’afficher une gamme qui y correspond. Donc, là, par exemple, je clique sur C et on aura par exemple la gamme mineure naturelle en C . Si tu cliques par exemple sur B, ce sera B mineur.

Après ça, c’est des appellations anglaises des notes, en français tout ça, ce serait : do – ré – mi – fa – sol – la – si – do, mais pour rester simple et pour que ce soit plus clair sur FL Studio, je vais continuer avec les notes qui sont écrites ici. Donc, tu vois ici, ce sont toutes les notes qui vont bien sonner ensemble. Tu vas pouvoir enchaîner ça et à partir de ça créer des mélodies et des accords.

Là, j’ai ma gamme qui commence en C et qui s’arrête en A#, donc je vais faire un copier-coller et la descendre d’une octave, comme ça on aura plus de place pour créer des mélodies et des accords. Ensuite, je vais insérer un piano pour te montrer comment utiliser tout ça. On va aller dans le Piano roll. Donc, si tu veux afficher ces notes ici en transparence, c’est dans « Helpers » – « Ghost channel ».

On a commencé notre gamme ici en C mineur, donc on va pouvoir créer les accords à partir de cette gamme. C’est super simple, en fait, tu vas mettre une note. Ensuite, tu en passes une et tu en mets une autre. Là, on a un accord en C mineur. Après, on va pouvoir, toujours à l’intérieur de cette gamme, créer d’autres accords. Ça va peut-être sonner avec beaucoup de tension, il suffit de tester. Là, tu vois, ça sonne assez sombre.

Ce que tu peux faire, c’est passer au degré suivant en restant toujours dans la même note de la gamme, que tu vois en transparence. Juste là, on va voir un accord majeur. Ici, on a un accord mineur, il suffit de compter en fait, là tu as 0 – 1 – 2 – 3 – 4 – 5 – 6 – 7, donc 0 – 3 – 7 et à l’inverse ce sera 0- 4 – 7. Tu vois, c’est un accord mineur puis ensuite un accord majeur.

Ensuite, on peut continuer à ajouter d’autres accords. Je fais un peu au hasard là, mais c’est pour te montrer qu’on peut créer des accords assez facilement. Je vais couper ici sinon ça va à chaque fois se répéter.

Une petite astuce : clic droit et couper, ça va couper une petite partie. Pour les accords, tu vois, c’est assez simple, il suffit de choisir une gamme dont tu as envie que l’ambiance se reflète dans ta production.

Par exemple, si tu veux créer un peu de trap avec des saveurs Arabic ou quelque chose de Japonais, là j’ai pris une simple gamme naturelle mineure. Et tu vois, il suffit de choisir les notes qui sont en transparence et ce qui est vraiment important c’est de rester dans la gamme quand tu veux créer tes accords, si tu veux que ça fasse sens, après il y a certains moments où on peut sortir d’une gamme mais c’est un peu plus avancé, il faut savoir ce qu’on fait.

C’est peut-être vrai plus au niveau des mélodies mais pour les accords c’est quand même mieux de rester dans une gamme, si tu veux t’y conformer en tout cas. Donc, ça te permet de faire des accords qui vont bien sonner ensemble et qui vont rester, dans l’ensemble, assez cohérents. Après, en fonction de ce que tu veux faire, tu peux changer, modifier, faire des répétitions. Et ensuite, grâce à ça, on peut faire de la mélodie aussi, assez facilement.

Je vais mettre ça dans un autre pattern. Tu vois comment faire une mélodie assez simplement ? Il suffit aussi de rester dans la gamme, c’est pas plus compliqué que ça. Tu vas voir toutes les notes de la gamme. Tu vois, on va de C à C donc on a fait le tour de la gamme.

La gamme se compose normalement de 8 notes. En fait, la dernière note de la gamme, ça doit être celle juste avant la suite. Je ne sais pas si c’est clair, mais en fait, ça va être une répétition comme je te dis ici. La gamme elle comme en C et puis elle va jusque-là et après, on recommence.

Voilà, après ça, c’est une mélodie pas très compliquée, mais, à partir de ça, tu peux peut-être commencer par une note et puis te dire qu’est-ce que j’ai envie d’entendre ensuite qui se trouve dans la gamme. À partir de ça, tu peux faire d’autres mélodies plus complexes.

Tu vois, ce n’est pas très compliqué de trouver une mélodie à partir d’une gamme, il suffit juste de regarder les notes en transparence et de rester dans la gamme. Après, tu dois faire en sorte que ça soit un peu cohérent avec tes accords, si tu as deux accords, et ça, c’est une autre chose.

Ce qu’on peut faire, c’est retourner au niveau des accords et de mettre en cohérence la mélodie et les accords. Ensuite après, il suffit de faire des petites modifications, ce n’est pas si compliqué que ça.

Au niveau des accords, on peut faire ça. Par exemple, on peut mettre une note de basse, tu vois quand on joue au piano en fait, tu as la main droite qui va jouer des accords et ensuite, tu as la main gauche qui va jouer des notes de basse. Donc, tu vois, c’est le même principe ici, en haut, tu vas voir tes accords un peu plus aigus et puis en bas, tu vas pouvoir avoir des notes de basse.

C’est assez simple de faire ça, c’est de prendre les notes qui sont juste en bas de l’accord, tu les sélectionnes. Là, je fais SHIFT, et pour reprendre le crayon : CNTRL+A, ensuite, tu fais CNTRL+C et CNTRL+V et CNTRL+down. Ensuite, on peut diminuer un peu la vélocité des notes de basse. On continue la mélodie.

Là par exemple, pour la fin de la mélodie ce qu’on peut faire, c’est de faire correspondre la note supérieure de l’accord, qui est la note qu’on va le plus entendre dans l’accord, et là comme notre accord est un peu bas, on peut peut-être le mettre à D#.

Après, on a une mélodie assez simple, j’ai fait ça sans trop me prendre la tête, j’ai trouvé les accords assez simplement, un piano assez simple et tu peux vraiment arriver à des résultats assez complexes, même si tu ne connais pas vraiment les fondements et les aboutissants de la théorie musicale. Il suffit juste de comprendre comment utiliser les outils qui sont mis à ta disposition.

Ça ici, ce sont toutes des gammes et tu peux utiliser ça assez simplement même si tu ne sais pas comment faire un accord, je peux te montrer assez simplement. Tu vas ici, dans le piano roll et là tu as déjà tous les accords qui sont listées. Tu veux un accord majeur, tu cliques sur le majeur, ce n’est pas plus compliqué que ça. Tu as vraiment plein d’outils qui sont mis à ta disposition : tu as des accords septième, donc ça, c’est plus des accords qui vont être utilisés dans des sons type jazz, soul… Tu as des accords aussi de neuvième, ça, c’est des trucs aussi utilisé en jazz et des trucs assez complexes. Donc, il y a plein de possibilités.

Par exemple, on pourrait utiliser la gamme Arabic pour faire un petit test. Ensuite, ça va vraiment avoir cette tonalité un peu spécifique. Donc ça, c’est dû aux différents instruments qu’ils utilisent, c’est l’évolution de la musique. Tu vois ici beaucoup de notes qui sont conjointes, qui se suivent juste l’une à côté de l’autre, donc tu as une note au-dessus avec un demi-ton en plus et ça va créer un peu de tension en fait.

Voilà, c’était une petite astuce que je voulais te montrer. Ensuite, à partir de là, tu peux ajouter un peu des effets sur ton piano. Disons qu’on va mettre ça dans le mixer, on peut ajouter un peu de réverbération. On est arrivé à avoir un résultat qui est vraiment cool juste avec la FL Keys, donc il y a un plugin de base de FL studio là, un piano vraiment basique et très agréable à l’écoute.

Il suffit juste de savoir quelles notes utiliser, quels accords utiliser, ça tu peux les trouver facilement avec les gammes et ensuite tu ajoutes peu d’effet comme ça, de la réverbération ou quoi que ce soit sur tes mélodies, sur tes productions, ça dépend aussi du plugin que tu utilises, tu as certains plugins où il y a déjà des effets pré-intégrés.

Donc, il faut veiller à ne pas trop en faire non plus. Mais si jamais, tu veux comprendre un peu quels effets appliquer sur tes sonorités, pour qu’elles sonnent un peu mieux, j’ai préparé une méthode qui s’appelle : « Booster ces productions en une heure par jour », le lien se trouvera dans la description.

Donc voilà, ce sera tout pour cette vidéo, si tu aimes bien que je fasse des vidéos sur la théorie musicale et ce genre de choses n’hésite pas à me le dire dans les commentaires. Je pense que je vais faire un peu plus de sujets de vidéos sur ce sujet, sur comment composer, comment faire des bons accords qui se suivent bien entre eux et des mélodies qui sont un peu accrocheuses à l’oreille.

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Le choix du processeur en MAO

Le processeur d’un ordinateur exécute des programmes informatiques comme par exemple celui d’un logiciel MAO (Cubase, Pro Tools, FL Studio, Acid..). Aujourd’hui, il est composé avec plusieurs cœurs.
Très souvent, les ordinateurs prévus pour une station de travail type Home Studio utilisant des processeurs de la marque Intel Pentium. Que ce soit sur PC, sur MAC, on peut retrouver les mêmes appellations : Xeon, I3, I5, I7…Mais les fréquences sont différentes.
La marque AMD propose également des CPU de grande qualité, mais ils demeurent moins utilisés car aussi moins connus.

Ordinateur MAO – Audio

Sur les ordinateurs les plus modernes, il n’y a plus de Jack d’entrée. L’utilisateur utilisera donc une interface audio dédié. Ce qui est d’ailleurs meilleur sur le plan qualitatif. Toutefois, une sortie casque est toujours proposée. Elle peut servir à écouter de la musique, mais pour une production studio, vous allez bien entendu privilégier une interface audio dédiée.

Le choix du disque dur pour une production Home Studio

En production vidéo comme en production, le support de stockage disque dur est l’élément le plus utilisé. Désormais, le volume de stockage s’exprime en téraoctets (To). Pour une application de musique, un logiciel MAO, il est crucial d’opter pour un modèle performant en termes de débit moyen, de temps d’accès, de mémoire cache et de rapidité.
Aujourd’hui, la tendance est d’utiliser un disque dur SSD pour la partie du système d’exploitation, les applications et un disque dur avec des plateaux magnétiques pour le stockage des données. Vous pouvez également prévoir, un espace de stockage pour la sauvegarde de vos projets, de vos samples et mix.
Ce type de configuration permet de faire fonctionner les logiciels MAO dans les meilleures conditions.

Mémoire pour une application MAO

La mémoire vive (RAM) sert à transférer de manière très rapide les données avant qu’elles ne soient traitées par le processeur. De nos jours, un système d’exploitation à une architecture 64 bits. Vous pourrez donc intégrer jusqu’à 64 Go de RAM !
Pour une application de musique MAO, dans la mesure où un système d’exploitation occupe de plus en plus de place, une RAM de 8 GO est conseillé. Mais pour un vrai confort de production, 16 GO est l’idéal.

Ressource vidéo pour un home studio

Les logiciels MAO demandent très peu de ressources en vidéo. Par compte, une production MAO requiert beaucoup de place pour l’affichage des fenêtres sur les écrans : logiciel MAO, données MIDI, pistes, etc… 
Pour une production musicale MAO, le mieux est d’utiliser un écran de 24 pouces au minimum pour votre PC.

Vous avez un projet professionnel de création musicale ? Une formation en ligne MAO vous donnera les meilleurs conseils pour faire évoluer votre home studio : choix des logiciels MAO, composants hardwares, micro, enceintes. Vous trouverez réponse à toutes vos questions avec votre formateur MAO Stéphane Meer.

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Introduction :

Ces recherches traitent particulièrement de  la matière sonore et musicale cela concerne également  la façon dont le cerveau et le corps perçoit  cette matière et s’harmonise avec elle à travers le jeu instrumental de l’élève. A travers l’improvisation, la création et le code musical nous allons percevoir quelles sont les parties qui sont en action chez les élèves et quelles sont les  propriétés contenues dans la matière musicale pour qu’il y ait ou non une fusion de l ‘esprit avec la matière sonore. Il y sera question également de la pensée mécanique rationnelle et de la pensée intuitive qui sont à mon sens le fondement de ces recherches.

Objectif de mes recherches :

• Permettre aux élèves de créer des musiques même s’ils ne savent pas lire la musique.
• Leur permettre également grâce un nouveau type de métronome que j ai inventé, d’harmoniser la lecture musicale avec leur sens inné de la musique.

La matière musicale et la matière sonore contiennent deux aspects importants :

• La matière sonore considéré comme matière physique proprement dite.
• La matière musicale part sensible du son, imprégnée de la sensibilité de l ‘artiste dès que celui-ci joue d un instrument.

Contenu :

D’abord, il me semble important de comprendre que le code musical n’est pas une invention de l’homme mais une projection de sa propre pensée. Dès le début de mes expériences, j’ai pu constater que dès l âge de sept ou huit ans, les élèves sans avoir appris le solfège sont en capacité de créer naturellement des phrases musicales qui contiennent des rythmes, des harmonies et des mélodies. Ils sont capables de créer des parties de basse accompagnant ces mélodies. Donc ce qui m’ a guidé dans ces recherches, est le fait que la musique et ces codes existent de façon innée chez la plupart de mes élèves. J’ai ainsi pu discerner deux aspects importants :

1)  l’aspect intuitif qui contient un calcul inné du temps et des fréquences musicales (temps- fréquences, intelligences intuitives).

2)  l’aspect rationnel qui permet de lire le temps et les fréquences du code musical écrit sur une partition (temps –fréquence, intelligence rationnel, mathématique).

L’aspect rationnel :

C’ est l’aspect du code musical et de  la perception des figures de notes et des hauteurs de notes comme pourrait le faire un séquenceur de musique type logic pro.

Dans ce cas l’élève utilise sa perception acquise et mécanique (pulsation mécanique comme un métronome). Il organise les informations lues à partir d une partition sans y mettre l’aspect sensible ou intuitif. Il joue successions informations vides de sens musical.

L’aspect intuitif :

On pourrait le percevoir chez les musiciens qui ne lisent pas la musique. Il contient des pulsations intuitives qui donnent le sens musical et la perception innée du temps et des hauteurs de notes.

Celles-ci contiennent potentiellement la source créatrice de toute idée musicale.  Nous pourrions l ‘appeler aussi intelligence émotionnelle.

Développement de la création :

A partir des observations du comportement et des travaux des élèves j’ai pu constater que la musique est par nature présente de façon innée chez l’élève.

Donc ce qui empêche ce jet créatif inné de se développer, c’est le mode de fonctionnement rationnel du cerveau. Il ne conçoit pas qu’il a ce potentiel et pense qu’il faut emmagasiner des informations pour jouer de la musique et les retranscrire après. J’ai donc mis au point un dispositif pédagogique qui permet de passer d’une intention de jouer de façon rationnelle à une intention intuitive et émotionnelle. Ce dispositif rend le système rationnel dépendant du système émotionnel qui est maître. De ce fait, il se produit un jet créatif mélodique et / ou rythmique selon l’élève.  Dans le même temps,j’écris ce que l’élève a crée. Par la suite je lui donne un cours de théorie musicale sur sa propre création, lui permettant de créer une fusion de ces deux modes de perception « rationnel et émotionnel »

Voir les pièces jointes (exemples de créations d élèves en piano solo ou en cours MAO sur logic pro).

• Laura : élève entre 8 et 10 ans piano solo

• Marine : élève entre 8 et 10 ans piano solo

• Véronique : élève adulte

• Luca : élève du conservatoire de Limay

• Steven : création de l ‘année dernière  sur logic pro

Conclusion :

Je pense que l’enseignement musical serait plus ouvert et de meilleure qualité si l’on procédait de cette manière. Outre le fait que l’on découvrirait des futurs talents de compositeurs ou d improvisateurs, l’interprétation d une œuvre musicale deviendrait plus fluide. L’élève gagnerait en confiance et en sérénité. En ce qui concerne les amateurs ils auraient l’opportunité de développer des apprentissages fluides, les aidant à mieux  évoluer dans nos sociétés qui seront dans le futur de plus en plus changeantes et complexes.

Fait à mantes la jolie le 29/11/2018

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Vous aimez la musique? Les principales compétences du compositeur sont :

• Travailler vite, et travailler en direct avec le réalisateur à côté de soi.
• Maîtriser son logiciel de MAO. On vient de voir que c’est très frustrant d’avoir un logiciel que l’on ne maîtrise pas. On a l’impression d’avoir les mains attachées dans le dos. Il faut maîtriser son logiciel de MAO sinon c’est un mois de galère totale et on est complètement perdu, trois mois de domptage et ensuite on est complètement à l’aise. C’est-à -dire qu’il peut arriver de temps en temps qu’on cherche une fonction mais franchement au bout de trois mois, on est tout à fait à l’aise et on obtient beaucoup de bénéfices.
• Avoir les banques de sons appropriés selon le style de musique que vous désirez. Si vous faites de l’orchestral, ce n’est pas les banques de sons données avec le logiciel qui vont convenir. Il faut des banques de sons spécialisées avec des switchs très avancés, il faut qu’ils aient trois ou quatre contrôleurs en même temps pour avoir toutes les nuances et toutes les attaques, tous les phrasés des instruments. Voilà, soyez très bien équipé, si vous voulez être un professionnel de musique de film.
• Avoir une grande polyvalence et souplesse de style.Oui, parce qu’on est sans arrêt un caméléon entre les contraintes, les types de films complètement différents, les réalisateurs complètement différents voire opposés.
• Comprendre le vocabulaire et la psychologie du réalisateur. On en a déjà parlé. C’est très important d’avoir ce dialogue et un réalisateur travaillera avec vous parce qu’il sentira que vous le comprenez.
• Avoir une stratégie pour se faire connaître. J’aurais bien aimé avoir une heure de plus pour vous parler de toutes les stratégies à mettre en place. Car même si vous êtes le meilleur compositeur de la planète mais que vous attendez à côté de votre téléphone qu’on vous appelle, ça ne va pas suffire. Donc il faut vraiment qu’on travaille ces informations parce que c’est presque aussi important que tout le reste. C’est-à-dire qu’il ne s’agit pas seulement d’avoir toutes les compétences, il faut aussi savoir comment faire pour créer son réseau, pour rencontrer les réalisateurs, pour faire tout ce qu’il y a autour. C’est un métier extrêmement relationnel.
• Et en dernier, n’oubliez pas de faire une musique fantastique,parce que nous avons beaucoup parlé «technique» Nous faisons des formations soit sur place, soit en ligne, en collectif ou en particulier. Nous faisons aussi des stages, et il existe des financements pour les professionnels… l’AFDAS et Pôle emploi également, peuvent  vous aider à financer vos formations.

Si vous voulez me contacter pour continuer la discussion et que vous vous intéressez à des formations ou à des compléments de formation, n’hésitez pas. Vous avez mes coordonnées.

Merci pour vos encouragements c’est très sympa et j’espère qu’on va se revoir bientôt.

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par Stéphane Meer

Le rôle du formateur

Cet été, à 58 ans, j’ai décidé d’apprendre le kitesurf. Et non, ce n’est pas moi sur la photo. 🙂 Faire du kitesurf jusqu’à 70 ans, pas de problème, mais débuter, c’est une autre histoire.

Cette expérience m’a conforté dans mes convictions. Le rôle du professeur n’est pas de donner les connaissances, le mode d’emploi. Non. Le rôle indispensable du formateur est de faire un retour. Et croyez-moi, il m’est arrivé beaucoup de choses pas prévues, en pensant démarrer je me suis retrouvé dans les airs et j’ai volé sur cinq mètres, plusieurs secondes, pour m’étaler dans l’eau en me retrouvant tracté sous l’eau… bouche ouverte ! Je peux vous donner la composition exacte de l’eau de mer bretonne. Le mode d’emploi n’avait pas prévu ça ! 🙂

Mais le formateur m’a expliqué mon erreur et j’ai pu la corriger grâce à lui.

Une autre fois, je veux m’arrêter et je me transforme en oiseau ! A nouveau, le formateur m’explique que mon geste est celui qui déclenche le saut. J’ai bien lu l’aérodynamique de l’aile, regardé des DVDs, les tutoriels youtube, les magazines, etc. Cependant, mon aile tombe quand même sur une femme en kite et manque de l’assommer. Les câbles s’emmêlent et je pense qu’elle n’aime pas les parisiens parce qu’elle commence à m’insulter gravement. Le formateur m’explique ce qui vient de se passer. (la partie surf, pas ma relation avec la dame)

L’apprentissage de la musique suit exactement le même processus pédagogique.

Mes collaborateurs, chez SCE, sont souvent étonnés que mes cours soient accessibles en ligne librement sur le site compositiondemao.com  Pourtant ma conviction est que la valeur d’un formateur n’est pas dans son savoir mais dans sa pédagogie, c’est à dire, travailler légèrement au-delà de la zone de confort mais pas trop et donner des retours pour que l’apprenant puisse corriger et progresser.

Pour apprendre la MAO et surtout la musique de film, le mode d’emploi, les tutoriels, sont utiles mais ça ne suffit pas.

Comme le kitesurf, la composition est un équilibre de nombreux paramètres qui fonctionnent les uns avec les autres. Le logiciel, les banques de sons, l’harmonie, la structure des morceaux, l’arrangement, l’orchestration, la direction du chanteur ou des musiciens, le mixage, le mastering, et plus encore en musique de film. Tant que ces éléments musicaux ne sont pas parfaitement combinés, ça ne marche pas. Pas de maîtrise de l’art.

Quand on regarde les études sur la pédagogie, on mesure que lorsqu’on écoute quelqu’un parler, on n’en retient que 20% alors qu’on retient 90% de ce que nous faisons. Benjamin Franklin a dit :

Tu me dis, j’oublie

Tu m’enseignes, je me souviens

Tu m’impliques, j’apprends

Tous les meilleurs tutoriels et les meilleurs sites internet combinés ne remplacent pas le formateur qui oriente votre progression et vous donne un retour constructif et constant. On comprend que la personnalisation joue un rôle essentiel. Si un élève est en décalage avec un programme pédagogique, ça ne fonctionne plus. Comme moi et mon kite surf le jour de grand vent quand je me suis fait peur. Programme inadapté à mon niveau, désastre en perspective. Je ne suis pas passé loin d’atterrir sur les rochers et j’ai tiré le système de sécurité in extremis.

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Enseigner. Ça s’apprend. Ma plus grande qualité de formateur aujourd’hui, je la dois aux chevaux. En apprenant les méthodes des chuchoteurs, aussi appelée équitation éthologique, les chevaux m’ont appris qu’il faut penser comme eux, se mettre à leur place pour les comprendre et parler leur langage. Cette empathie cognitive permet de créer un enseignement personnalisé avec la bonne motivation et le bon timing. Elle met à l’abri des contresens et des méthodes inappropriées.

C’est lors d’un stage pour devenir moniteur de voile que j’ai entendu pour la première fois la phrase : « faire ou apprendre à faire, c’est complètement différent ». Le meilleur entraîneur de foot n’est pas le meilleur joueur, le meilleur cavalier n’est pas automatiquement celui qui va savoir rééduquer un cheval rétif. L’innovation passionnante des chuchoteurs c’est de dire qu’enseigner aux chevaux, c’est se mettre à leur place et qu’elle est en opposition par rapport à la notre. Nous sommes des prédateurs, nous sommes capables de manger des chevaux. Ils sont des proies programmées pour échapper aux prédateurs comme nous. Nous devons comprendre les mécanismes et les comportements des proies pour que notre méthode ait un sens et qu’elle soit motivante.

Si l’on va vers un chien, prédateur, il va venir vers nous. Si l’on va vers un cheval, il va reculer et se mettre en distance de sécurité. Par contre, s’il nous considère comme son leader quand nous reculons, il nous suit naturellement comme il suit son troupeau.

Un autre exemple. C’est absolument normal pour un cheval de réagir fortement au moindre déclencheur, sac en plastique, bruit étrange, etc. C’est ce qui détermine sa survie dans la nature. Une proie fuit d’abord et réfléchit ensuite, sinon elle finit dans l’estomac du lion. (En tant que prédateur, notre réflexe est inverse, on se fige pour analyser, comme les chats qui se font écraser). Un cavalier qui se bat avec son cheval chaque fois qu’il a peur peut lui confirmer qu’il a raison d’avoir peur car son leader réagit également. Le chuchoteur ne réagit pas mais repasse tranquillement, graduellement, de plus en plus près, pour prouver que tout va bien et que tout est zen.

Qu’est-ce que ça nous apprend sur l’éducation ? Apprendre à des animaux qui sont programmés à l’inverse de nous est le meilleur exercice pour travailler l’empathie. Il faut totalement penser proie pour rééduquer un cheval à problème. Car un cheval rétif, s’il n’a pas de souci vétérinaire, est juste un animal qui ne comprend pas ce qu’on attend de lui. Ça vous rappelle quelque chose ? Comme l’échec scolaire par exemple ? Avec les chevaux, j’ai vécu parmi les moments les plus émouvants de ma vie quand un cheval, considéré comme foutu, devenait si gentil qu’on le confiait à des enfants.

Dans l’enseignement de la musique, j’en ai tiré la leçon que chaque élève est spécifique et que le formateur à un devoir d’adaptation à chacun de ses apprenants. Selon son style, sa culture, son historique d’apprentissage, un musicien est toujours unique et ne peut pas recevoir un enseignement standard. Le prof doit parfaitement comprendre l’univers et la façon de penser de l’étudiant pour être efficace et apporter de la motivation et du progrès. Apprendre doit partir de l’empathie, sinon c’est de la formation de type : « ça passe ou ça casse ».

Il est donc logique que la première étape consiste à écouter la musique de l’élève. Ensuite de comprendre son processus de composition. Nous ne composons pas tous de la même façon. Quels sont les éléments bloquants ? Est-ce la technique, l’harmonie, la méthode, l’aisance au clavier, le manque de confiance en soi ? On oublie souvent que les professionnels doivent savoir communiquer, créer leur réseau, etc. Quand la musique devient métier, cela demande des compétences supplémentaires. C’est par cette connaissance approfondie que le formateur peut construire son discours et son programme pédagogique. A cette condition, son programme sera motivant et les progrès seront mesurables.

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LA FAUSSE PISTE DE L’EDUCATION

Les premiers formateurs sont les parents, puis l’école et la formation continue. On entend ce débat éternel, faut-il noter les élèves ? Est-ce que je dois dire qu’il est mauvais ou non ? Vais-je lui faire perdre la confiance en lui ? Si je lui dis qu’il est excellent, va-t-il se laisser aller ?
Vaste question et surtout… fausse piste complète !
A problème mal posé, réponse impossible.

On a étudié, expérimenté et prouvé que la méthode éducative qui marche, qui est performante, c’est celle qui encourage le progrès et non la valeur absolue. Il faut évaluer et encourager les efforts et les améliorations, pas le niveau absolu et référentiel. Il n’est pas efficace de dire à un enfant, ou à un apprenant adulte, qu’il est bon ou mauvais. Il est performant de dire, voilà d’où tu pars et voici ce que tu as accompli.

Dans la même idée, les parents ont la responsabilité de contrôler leur formulation. « Ton comportement est nul », et non-pas « tu es nul ». Ça parait simple mais dans la vraie vie, ça demande beaucoup d’auto-discipline.
Il est contre-intuitif de penser qu’il est mauvais de dire : « tu es super », « tu es fort », et pourtant il est expérimenté et vérifié que répéter constamment « tu es bon » conduit à mal gérer l’échec et à être moins persévérant.

Pour apprendre, le retour évalué est indispensable. Sinon on est dans le vide. Mais il faut s’efforcer de valider le progrès et l’effort fourni ainsi que de dissocier la valeur d’une action et la valeur de la personne.
Tout ceci est facile en formation individuelle ou en petit groupe. C’est difficile quand on a une grande classe avec des niveaux incohérents et un programme imposé. Mais les résultats sont là et spectaculaires. Ça vaut le coup !

LE MYTHE DE CHARLIE PARKER

Il existe un contre-exemple, illustré dans premier film de Damien Chazelle, Whiplash. L’histoire est celle-ci : Charlie Parker était un saxophoniste moyen. Un jour, il subit une totale humiliation, il est cassé, détruit, humilié. Il déprime totalement mais chez lui apparaît la résilience, la rage. Il se met à travailler jusqu’à épuisement, un rythme inhumain. Plus jamais on ne l’humiliera à nouveau. Il devient le plus grand saxophoniste de son époque, le seul que l’on ait appelé « l’oiseau » tant sa virtuosité et sens du phrasé harmonique étaient éblouissants.

On en a déduit une théorie comme quoi casser les gens est nécessaire pour engager la résilience et permettre à l’excellence d’émerger.
Je pense aussi que ça permet de détruire des carrières, d’étouffer la créativité, de créer des comportements obsessionnels et aussi… d’avoir des gens brillants qui se suicident. Le gâchis suprême.
Et vous ? Qu’en pensez-vous ?

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