La mise en son avec Pro Tools HD Native

Vincent Chevalot nous raconte son ses exploits avec Pro Tools HD Native.

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Partie 2 : la mise en sons par Vincent Chevalot

Vincent Chevalot : son project studio

Alors, cette cabine en fait, je l’ai construit en 2005. Je voulais pouvoir composer, arranger dans de bonnes conditions. Ce qui m’a permis, d’ailleurs plus tard, de mixer des projets, et même de faire du mastering. Et de faire tout un tas de musique pour des sociétés telles que : Lagardère, TF1 , Mercedes…

Alors en fait, je me suis construit un meuble, pour tout articuler autour d’un clavier maître et avoir le contrôle de deux stations sur lesquelles j’ai réparti, mes synthés et mes sampleurs. Donc, sur une station, qui est un mac pro, sur ces deux écrans-là, tourne un Pro-tools. Et sur les deux autres écrans, c’est un pc qui fait tourner un ensemble pro. Et donc tous les flux audio-midi sont véhiculés via un câble RJ45. Voilà donc, j’ai juste mes deux stations que je pilote depuis ici et j’ai toute la palette sonore devant moi.

Vincent Chevalot : sa méthode de travail (Pro Tools)

Alors en fait, pour composer, j’utilise un template, que je vais ouvrir d’ailleurs. Voilà, sur lequel, en fait, j’ai tout préparé dedans. C’est à dire que, quand j’ai envie d’un son, quand j’ai besoin d’un son, j’active la piste et j’ai tout de suite le son sous la main.

C’est une template, où il y a plus de 350 pistes, parce que j’ai tout réparti en groupes : donc le groupe batterie, le groupe basse, le groupe guitare, etc. Si je veux par exemple, une perc, ben voilà, j’ouvre. Par exemple, je peux utiliser Stylus pour le faire ou sinon je peux utiliser Play, donc avec différentes banques, par exemple Stand Drum, qui est très bien, pour tout ce qui est grosse percu, on va dire. Et donc, il suffit que je sois sur la piste et je vous joue directement.

Pour faire des batteries, par exemple, j’utilise BFD. Là, il va se lancer, il va jouer. Pour BFD, j’ai déjà toutes mes pistes audios, qui sont ici prêtes à recevoir l’audio de BFD. Je n’ai plus qu’à les mettre en input. Et là, on voit bien qu’il est en train de charger et une fois que c’est fait, tout est prêt à jouer. Pour les pianos pareils, un plug que j’utilise beaucoup, c’est Ivory. Et surtout aussi, le son est chargé ; le piano que j’utilise le plus souvent est d’ores et déjà chargé, donc j’ai plus qu’à jouer.

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Pareil si je veux utiliser un piano électrique, donc moi, j’utilise beaucoup Velvet, parce que j’aime beaucoup ce plug pour les pianos électriques. Et ben même chose, il est déjà chargé. Et si je veux un synthé, je peux ouvrir Omnisphere, par exemple. Et là, je peux jouer directement mon synthé. Tout est déjà prêt, c’est à dire que je n’ai plus à faire de set up, à raccorder en audio, à faire les branchements, tout est prêt.

Donc, ça me fait gagner un temps fou et aussi ça fait que je vais vraiment vite vers les sons et que les sons viennent vite à moi. Ainsi de suite, donc pareil pour les pad, j’ai même des guitares qui sont prêtes aux besoins des guitares synthés, des guitares électriques synthés et des instruments un petit peu plus ethnique.

Tout ça c’est prêt et donc après j’affine, c’est à dire que je lance tout et après en fonction de ce que j’utilise au fur et à mesure, ou par exemple je sais que je ne vais pas utiliser de synthé, et ben j’enlève tout ce qui est synthé que ça ne pollue pas la fenêtre.

Et puis, surtout il y a une grosse template orchestrale. Donc, j’en avais un petit peu assez d’aller chercher telle articulation ou de jouer avec les key switch, donc le plus simple pour moi, c’était de tout préparer et ainsi, je peux répartir en fonction de l’articulation sur les différentes pistes midi, et c’est beaucoup plus simple. Donc, là, par exemple, je charge ma template de cordes, qui se charge automatiquement sur l’ensemble pro et j’ai les vienna legato.

Je vais vous montrer les différentes articulations. Donc les legatos, trémolos, les trilles, harmoniques, marcato, staccato, etc. Tout ça peut se jouer et j’ai tout sous la main. Si je veux faire des pizz de cordes, de violon A, en l’occurrence, je les ai. Et j’ai la même chose répercuté sur les violons B, les altos, les celli, les contrebasses…

Ce qui me permet d’avoir un orchestre sous les doigts, simplement en faisant activer une piste. D’ailleurs, si des fois on est un petit peu fainéant, par exemple pour aller chercher tel ou tel son, là on l’a tout de suite. Des effets d’orchestre, par exemple, qu’on n’a pas envie d’aller chercher, là, on peut aller chercher facilement. Donc il suffit de loader et on l’a tout de suite sous la main.

 

Vincent Chevalot : sa collaboration avec Jean-Félix Lalanne

Composer sur Pro Tools

Alors Jean-Félix, je le connais depuis 2001. En fait, on avait travaillé ensemble sur un album live de Maxime Le Forestier à Guillaume Tell. Et donc, Jean-Félix, un super guitariste d’abord, et il a aussi une faculté incroyable pour composer pour de l’orchestre. Donc, on s’est aperçu qu’on avait des affinités humaine et sur le travail. Et donc, depuis on a enchaîné les projets ensemble.

Lui compose sur Sibelius et sur Pro-tools. Mon boulot, quand je récupère tout ça, c’est de faire sonner l’ensemble, de faire en sorte qu’au final, on puisse fournir, au réalisateur et au producteur, une maquette suffisamment aboutie pour qu’ils puissent juger, tout simplement. Ben justement, on a pratiquement fini l’étape maquette ; donc j’attends encore un cue, à priori orchestral de Jean-Félix, sur une scène en particulier. Et après ça, on aura fini les maquettes, on attendra la validation de toutes les maquettes

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Vincent Chevalot : mise en sons du cue Le radeau (Pro-tools)

Donc, là, je commence. Première chose, je load, en fait, mes templates donc mes sessions modèles adaptées au projet. Là, je lance la session Pro tools.

Mise en sons sur Pro Tools

La template est lancée et dans Pro-tools, j’ai déjà dans ma template ici une piste Sibelius de prête. Ce qui fait que quand je lance la template, Sibelius se lance automatiquement en rewire, ce qui me permet donc de récupérer tout de suite et d’ouvrir tout de suite la session de Jean-Félix. Donc ce que je vais faire, je vais commencer par écouter cette session ; puisque lui a travaillé avec les sons qui sont déjà dans Sibelius et ça va me permettre de voir déjà comment ça sonne avec les sons qui sont intégrés dans Sibelius.

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Pendant que c’était en train de jouer, j’ai repéré sur la partition ce qu’il y avait, s’il y avait des différentes intentions de jeu, ce qui est le cas. Puisqu’il y a ici des staccatos, des harmoniques au début. Donc, ce qui est bien aussi avec Sibelius, c’est pour ça qu’en plus de les voir, je les ai entendus, le soft interprète toutes les indications de jeu, c’est à dire quand il y a des harmoniques, ils jouent des harmoniques ; quand il y a des staccatos, ils jouent des staccatos. Comme ça, on entend exactement ce qui est écrit.

Donc voilà, on a déjà une très bonne idée, donc à partir de ce qu’on vient d’entendre, moi, je voudrais aller plus loin pour faire une maquette complète. Il y a plusieurs façons de faire, on pourrait, par exemple, exporter les pistes telles qu’elles sont là, les récupérer en midi, utiliser différentes banques de sons et utiliser des key-switch.

Moi, ce que je préfère faire, puisque j’ai une template déjà prête, c’est mettre toutes les expressions, tous les styles de jeu sur des pistes midi séparées, qui chacune d’elles commandent un instrument virtuel. Donc, je vais travailler directement sur Sibelius pour faire des pistes différentes, pour les harmoniques, les legatos et le staccato. Et ensuite, je les exporterai en midi pour le récupérer dans Pro-tools.

Importation de pistes vers Pro Tools

Ça y est, j’ai importé toutes les pistes midi, qui venaient de Sibelius, dans ma session. La session est claire, on sait ce qui joue et à quel moment. Donc, là, si je fais play tout de suite, ça va utiliser les patches par défaut de la template. Bon, évidemment, on voit qu’il va y avoir beaucoup de programmation derrière pour faire sonner quand même, parce que si ça sonnait tout de suite, ça se saurait.

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Donc, on va commencer à écouter. On va commencer par le piano. Le piano, c’est Ivory, qui est directement sur le mac en RTS. C’est le piano que j’ai utilisé dans tous les cues, donc il n’y a pas raison que j’en utilise un autre. On va écouter ce piano.

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Un magnifique accord de jazz à la fin. Il y a aussi le célesta qui joue. C’est un célesta qui joue sur le pc, donc via un ensemble pro et c’est mac five qui le joue.

On a une harpe. Alors j’ai utilisé une harpe de chez East West, de la banque Symphony Orchestra. Parce que l’intérêt, c’est qu’il y a plusieurs positions de micros, donc on peut placer la harpe dans la pièce avec ses trois positions de micro, c’est assez intéressant. Sachant que cette harpe, il faut juste faire attention de ne pas la jouer avec trop de vélocité, sinon elle devient un peu agressive. Et c’est plus joli quand on la joue avec des vélocités assez faibles. On va voir ce que ça donne sans programmation.

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C’est une harpiste sous coke qui en train de jouer là, donc on essaiera de mettre un peu moins de vélocité. Ensuite l’orchestre, ça, c’est assez pratique aussi avec l’ensemble pro. C’est que je vais prendre, par exemple, là, je suis sur ma piste violon. Je vais appeler l’instrument virtuel qui correspond à cette piste-là, et automatiquement, il me la montre ; donc c’est très pratique.

Pour les banques de samples d’orchestre, le truc, c’est que vraiment chaque banque a sa spécificité. Donc, si on prend SE Strings par exemple, d’Audio bro, c’est une banque qui est fantastique, pour tous les portamentos qu’on peut utiliser. C’est très facile de le programmer et le rendu est vraiment réaliste. On peut aussi utiliser Play, Synphonic Orchestra, Hollywood strings ; on peut utiliser symphobia.

Chaque banque a vraiment une particularité bien à elle. Par exemple, c’est vraiment du son hollywoodien massif, avec des superbes nappes. C’est vrai qu’on plaque les accords, tout de suite ça sonne incroyablement bien. Peut-être, un peu plus difficile à utiliser pour la programmation précise.

Moi, par exemple, pour « Nos plus belles vacances », j’ai choisi d’utiliser LA strings, parce qu’on voulait un orchestre pas trop grand. Et je voulais vraiment pouvoir doser dans chaque pupitre, doser les parties et LAstrings permet de le faire très bien. Voyons ce que ça donne, comment ça sonne, comme ça, sans programmation. Là, le début est joué en harmonique.

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On voit qu’il y a un peu de programmation à faire, sur des parties un peu plus enlevées.

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Voilà, donc pour ce qui est des autres pistes, notamment, les violons. On voit que tout ça c’est lié.

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Déjà, petite ruse un peu nécessaire pour la programmation, je vais allonger légèrement toutes les notes, pour qu’elles débordent un peu sur la prochaine. Et comme ça, on aura vraiment un lié qui sera fait. Si jamais il y a un tout petit espace entre les deux notes, elles vont jouer pas vraiment lié et ce n’est pas l’effet voulu.

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A part Pro Tools ?

Voilà, on sent bien l’effet lié, legato. L’avantage de LA strings, ce qui est un peu différent des autres banques, on peut jouer vraiment le glisser sur la corde par des vélocités basses. Donc s’il y a certains moments où on veut vraiment qu’il y ait glissé, rendre un glissé, on peut le faire avec une vélocité qui est en dessous de 49. On sent bien que la dernière note, cette note-là, elle est glissée, pour arriver à la note : on glisse sur la corde. LA strings permet vraiment de bien le rendre.

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Et je peux le faire sur d’autres notes, si je veux. Pour vraiment parfaire la sensation du coup, je vais avancer un petit peu la note, pour qu’on sente que le glissé intervient. On anticipe un petit peu, sinon on est en retard sur la note puisque on arrive un peu plus tard sur la note. Ça, je l’avance cette note-là, un tout petit peu

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Si on réécoute la phrase, on verra bien qu’à la fin, on arrive vraiment avec un petit glissé, c’est assez joli et ça amène du réalisme. Il faut faire ça pour toutes les pistes maintenant. Maintenant qu’on a vu les cordes, par rapport à qui joue quoi. Donc, par exemple pour les timbales, j’utilise Play. Ils ont une banque pour les timbales, Symphonic orchestra, qui n’est pas mal. Toujours pareil, l’histoire des différents micros, ça permet vraiment de placer, comme on le souhaite, sans forcément rajouter de reverb. Donc, c’est pas mal.

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Ensuite, pour les bois, j’utilise pareil, toujours Symphonic Orchestra. Et exactement la même chose pour les cuivres. Pour les cuivres, j’utilise aussi donc le Symphonic Orchestra. Si on joue ici les cuivres, on va entendre un petit peu ce qu’il nous joue.

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Et pour les bois.

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Par exemple, ce qui est intéressant, j’entends le basson qui joue très droit. Alors pour ce basson, qui en fait ici le patch, c’est l’expression legato. Il est expressif, mais si le legato n’est pas expressif, alors il y a une petite subtilité comme ça. Je vais le montrer, c’est plus clair qu’en l’expliquant. Je veux que cette note-là, par exemple, celle-ci soit expressive, qui ait vraiment le crescendo dessus. Donc la note qui est avant, je vais l’arrêter un tout petit peu avant, pour que finalement ce ne soit pas legato ici, ce ne soit pas lié et qu’il me joue bien l’expression. Ce qui fait que dans le rendu, si je le mets en solo, on peut tricher un peu sur la longueur pour avoir, comme si c’était legato, mais avec un peu d’expression et ça donne vraiment du relief à la piste, parce que quand il est tout droit, évidemment, c’est pas pareil.

Donc, il faut faire ça pour toutes les tenues et on choisit le moment où il est expressif ou pas. On peut le faire via la molette de modulation, là, c’est un choix de rapidité, ça va plus vite. On va vraiment vite à programmer, quand c’est comme ça.

Voilà, je viens de d’importer la vidéo. J’ai calé et j’ai fait mes repères aussi, mes marqueurs pour bien me repérer dans la scène, pour savoir sur quoi travailler. A partir de là, je vais commencer à rentrer un peu plus dans la programmation, à humaniser la programmation, les fichiers midi que j’ai reçu. Il faut que ça fasse comme si c’était vrai. Et pour ça, je vais utiliser donc deux contrôleurs midi par rapport à LAS. C’est pour ce qui est des cordes, j’utilise le modulation wheel et l’expression, qui vont jouer sur plusieurs choses. Je vais programmer ça. Au départ, je vais mettre une valeur moyenne, que je vais appliquer partout. Comme ça, ils vont jouer un certain volume. Et moi ce qui va m’intéresser après, c’est de les faire évoluer par rapport à ce volume et par rapport à l’expression que je veux leur donner. Donc, là, si je prends les violons 1

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Là, ils sont joués avec l’expression qui est à zéro. Donc j’ai mes contrôleurs midi, et grâce à ça, je vais pouvoir contrôler, je vais enregistrer.

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Ainsi de suite… Et ce qui est vraiment pratique, c’est que je peux ensuite, à l’intérieur, si j’ai besoin de remodifier des parties, je peux grâce à certains outils retravailler toute l’automation.

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Si je veux faire vraiment, un peu comme les vrais, c’est-à-dire premier coup d’archet accentué et relâchés ensuite pour redescendre sur la note suivante, je peux faire une petite automation comme ça et on revient. Et ça va donner un peu de réalisme.

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On a une expression supplémentaire et j’aurais pu choisir de faire l’inverse, c’est-à-dire de faire un crescendo et ensuite un decrescendo plus rapide. Voilà, ça aurait donné une autre intention.

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Ça fait un peu de légèreté et ça dépend de ce qu’on veut au final. Donc, je vais m’employer à travailler sur toutes les automations des contrôleurs midi sur chaque piste, y compris, évidemment, sur les bois et sur les cuivres. Donc, on va avoir des automations pour chaque instrument.

Ça fait une bonne heure que je suis en train de programmer, on a donc les automations qui sont réalisées sur chaque pistes instruments. J’ai également refait les percussions. J’ai fait des choix, j’ai réaffecté certaines cymbales, j’en ai enlevé d’autres. C’est justement un choix qu’on va faire avec Jean-Félix après.

Moi, je vais faire des propositions : j’ai coupé des percs à certains endroits, lui va peut-être vouloir en mettre à d’autres et en enlever, voilà. On avance comme ça et ça dépend des paliers d’intensité qu’on veut, par rapport à la dynamique, en fonction de ce que veut le réalisateur évidemment.

On ne fait pas la même chose sans images et avec les images. Là, ce qui nous guide, ce sont les images. Donc, là où pour juste une musique, on voudrait mettre des percussions, si c’est pour le film, on peut se garder le droit de ne pas en mettre, même si comme ça, on aurait envie. Et j’ai aussi le son témoin qui permet de pouvoir écouter ce qui se passe à l’image, s’il y a une voix, s’il y a une voix off, s’il n’y a rien… A ce moment là, on ne fait pas tout à fait la même programmation. Ce n’est pas la même intensité.

Donc, là, on va entendre un produit 100% instruments virtuels, par rapport à mon set up pour la maquette.

Écoutons !

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L’histoire de la musique de film : les étapes de la partition à l’écran

- Composition
- Mise en sons
- Enregistrement de l'orchestre
- Enregistrements complémentaires
- Édition & pré-mixage
- Finalisation